Soy un espectador

17º Festival Solidario de Cine Español de Cáceres

2010-03-15T12:06:00.004+01:00

La entrega de los premios San Pancracio de Cine, en el marco del 17º Festival Solidario de Cine Español de Cáceres que finalizó el sábado 13 de marzo, reconoció a figuras como Carmen Machi (Mejor Actriz por "La mujer sin piano"), Eduard Fernández (Mejor Actor por "Tres días con la familia") o Daniel Monzón como Mejor Director por "Celda 211".

Pero no todo se quedó en eso, porque la gala -animada por una siempre estupenda Rosa María Sardá- reconoció el trabajo del Mejor Colaborador de la Revista "Versión Original", que este año cayó en manos de Israel de Francisco; de la actriz extremeña María Ballesteros con el premio "Uno de los nuestros"; del director Borja Cobeaga por su ópera prima "Pagafantas" y de la Actriz Revelación, Leticia Herrero, por "Gordos".

La ceremonia de entrega de premios contó con la presencia de los miembros de la Fundación ReBross, organizadora del certamen, y de otros nombres conocidos del cine español: Icíar Bollaín, Luis Tosar, Manuel Gómez Pereira -quien recibió un premio por su trayectoria cinematográfica- o Juan Sanz.

Sin sabor a chocolate

2010-03-15T01:20:00.003+01:00

"Lo más importante es tener un buen guión. Los cineastas no son alquimistas. No se pueden convertir los excrementos de gallina en chocolate". Billy Wilder (director, escritor y productor de cine. 1906-2002)

Hay muchas cosas que no entiendo de El baile de la victoria (Fernando Trueba, 2009), la candidata española a los Oscar en la categoría de Película Extranjera y, quizás, uno de los estrenos menos sonados del año en su propia tierra, con una importante desventaja respecto de la aclamada Celda 211 (Daniel Monzón, 2009) o de la muy publicitada Spanish Movie (Javier Ruiz Caldera, 2009), que coinciden en cartelera con ella.

La cinta de Trueba es indefinible: todavía no decido si es un cuento de hadas triste o un triste cuento de hadas. El guión, muy novelesco pero poco cinematográfico, no ha conseguido una cohesión interesante de las 6 manos que trabajaron en él: Trueba, su hijo Jonás y el autor del texto original, el chileno Antonio Skármeta, que hace varios años inspiró la película “El Cartero y Pablo Neruda” (Il Postino, Michael Radford, 1994) con otra de sus novelas. El resultado no sólo es pobre, sino que carece notoriamente de un lenguaje visual, que luego es forzado por el director a costa del resultado final.

Lo primero que me llama la atención es la frialdad con la que se dibuja el Santiago actual, frialdad que es llevada a la máxima expresión con un fenómeno climático prácticamente ajeno a la capital chilena: la nieve. Y esta baja temperatura recorre gran parte del metraje, pues nunca acabamos por identificarnos del todo con los personajes. Sabemos poco de ellos y, la verdad, es que tampoco nos interesa conocerlos. Durante muchos momentos, la pantalla no es más que un desfile de rostros desdibujados que no suman, y me atrevo a decir que incluso restan, al desarrollo efectivo de la historia.

La presencia de Ariadna Gil tampoco la entiendo bien desde el punto de vista cinematográfico, pero se justifica en la relación de familia política del director o en una necesaria cuota de actores españoles en pantalla. Su participación es mínima, desaborida y sin llegar a formar parte importante de la trama. Lo mismo ocurre con Lili (Mariana Loyola), la Viuda (Catalina Guerra), la madre del joven (Catalina Saavedra) o con la directora del Teatro Municipal de Santiago, Gloria Münchmeyer, Copa Volpi a la Mejor Actriz hace 20 años. Todas ellas grandes intérpretes desaprovechadas por un guión que peca de muchos excesos, incluido el extenso metraje.

No mejora la situación con la pareja protagonista: Ricardo Darín como Nicolás Vergara Grey, famoso ladrón de cajas fuertes, y Abel Ayala como Ángel Santiago. Ambos salen de la cárcel el mismo día y sus destinos se cruzan al poco andar (¿cómo consiguió tan rápido la dirección del hotelucho de Darín?) para ejecutar un robo maestro. Pero sus historias pasadas son meros trazos: Vergara Grey es abandonado por su mujer y su hijo, sin mayores explicaciones ni cuestionamientos, mientras que Ángel tiene una historia tan efímera e imaginada que, por momentos, parece que ni él mismo tiene muy claro de dónde viene.

Lo segundo que me resulta molesto es la utilización del recurso político como mera excusa para despertar simpatías y despertar una conciencia social, pero ajena a la trama, puesto que la mencionada ley de amnistía para presos no violentos en la era de la democracia, favoreció a dos delincuentes que nada tuvieron que ver con los detenidos políticos. Además, las menciones al gobierno de Pinochet y a su sonada caminata tras regresar de Londres donde había sido detenido, no enmarcan de ninguna forma la historia y se convierten en un error temporal en el que nadie reparó. El regreso del dictador tras sus problemas legales en Inglaterra fue en el año 2000 y en las entradas de cine que pertenecen a Victoria y que descubre su enamorado Ángel, aparece el año 2002. La sucesión cronológica no logra cuadrar en mi cabeza.

Creo que es difícil decir que Trueba carece de talento y de arte para la dirección, pero en esta película no ha sabido demostrar las razones de sus éxitos anteriores. Peca de una pretendida profundidad, de sensiblería (que no de sensibilidad) y a ratos parece tan ambiciosa su necesidad de emocionar, que deja al espectador rebosante de indiferencia. Se ha hecho un mero trabajo contemplativo, superficial, lo que no estaría mal si tras ello no existiese una intención de trascendencia que nunca llega a consolidarse.

Pero no todo es un problema del trabajo cinematográfico –entendido como el ejercicio de dirigir– sino de un guión que se pierde en un onirismo mundano, simple y, a ratos, completamente chabacano. Trueba se ha permitido demasiadas licencias a la hora de filmar esta película, sin que ellas le permitieran llegar a algún sitio seguro en que guarecerse del desastre. Además la superposición de historias, las tramas laterales y otros giros estilísticos propios de la literatura, sobran por completo y no consiguen más que hacer aún mayor su fracaso artístico, dejándonos con una historia sin nada de sabor a chocolate. Ya lo decía el propio Billy Wilder.

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Artículo publicado en la revista "Versión Original", marzo de 2010.

"Kissing Jessica Stein" (2001)

2010-03-10T13:49:00.005+01:00

Esta película la vi, por primera vez, hace 7-8 años. Y me gustaron su humor inteligente, su absurdo realista, su provocación contenida y un guión que iba más allá de la comedia romántica clásica, pero con una modernísima vuelta de tuerca.

Volví a verla hace poco y me cautivó nuevamente por las mismas razones, además de descubrir nuevos matices de los personajes y de los actores que los interpretan. Me sigue fascinando la escena de la protagonista, Jessica Stein (Jennifer Westfeldt) con su madre, Judy (magnífica Tovah Feldshuh), cuando la última mantiene casi un monólogo donde es capaz de mostrar, sino todas, casi todas las emociones posibles en un registro prácticamente perfecto.

La historia habla de periodistas, de las terribles citas a ciegas, de los desencantos del amor, de los prejuicios, de los valores, de lo que es cada uno en la esencia, y la forma en que eso afecta nuestras decisiones. El guión fue escrito por las dos protagonistas: la ya mencionada J. Westfeldt y Helen Juergensen, con el que se ganaron el favor del público en varios festivales y que permitió que la cinta recaudara la no despreciable suma de 10 millones de dólares en todo el mundo, con una inversión inicial que no superó el millón.

Grandes personajes secundarios, momentos cómicos de primer nivel, un final quizás demasiado clásico para su propuesta, pero que no traiciona la naturaleza de sus protagonistas; y algunas escenas eliminadas (sobre todo la del bote) que, personalmente, considero un error haber dejado fuera porque es una de las más potentes. Cine americano muy independiente (lo que se nota en el tratamiento de la historia por parte del director Charles Herman-Wurmfeld, dedicado principalmente a la televisión) y del bueno. Una comedia recomendable, fresca y distinta.

"The lovely bones" (2009)

2010-03-09T20:51:00.005+01:00

Sé que a mucha gente le ha parecido espantosa y que no ha tenido una gran repercusión, pero a mí me ha gustado mucho. Y es que me gustan las imágenes que crea Peter Jackson. Desde que conocí su trabajo con "Criaturas celestiales", he visto prácticamente todo lo que ha hecho y he disfrutado, por ejemplo, de la trilogía de "El señor de los anillos" como un niño pequeño.

En este sentido, "The lovely bones" no me defraudó en lo absoluto. Me parecieron mágicas las imágenes del limbo y todos los viajes oníricos a los que nos invita el director (aquellos barcos embotellados rompiéndose con las olas, por ejemplo), y me gustaron mucho el colorido y los rápidos cambios de escenario que sufre la asesinada adolescente protagonista, Susie Salmon, desde la vida en la tierra a la vida en el cielo, una especie de viaje iniciático obligado y aterrador.

Me gustó también el reparto: Susan Sarandon, Rachel Weisz, Mark Wahlberg y Stanley Tucci (único nominado al Oscar de sus compañeros de rodaje), además de la magnífica joven Saoirse Ronan quien, seguramente, tendrá una larga y exitosa carrera. Quizás me faltó profundizar un poco más en el drama que significa para una familia la pérdida de un hijo, pues pese a que es uno de los pilares del guión, a ratos pasa a un segundo plano opacado por la imaginería fantástica del director, quien también se reservó un cameo en su propia película.

No es la mejor película de Jackson, pero como dije, su estilo me convence y me llega profundamente. Tiene algunas escenas de infarto, romance juvenil, dosis de drama, una abuela fuera de todo estereotipo y muchas otras cosas. Falla quizás el dibujo del asesino, muy típico, muy caricaturesco pero, a la vez, magníficamente interpretado por Stanley Tucci.

Como no me he leído el libro en que se basa la historia (Desde mi cielo, de Alice Sebold), no puedo comparar ambas propuestas. Ya me han dicho que la novela es maravillosa y que dista en muchas cosas de la película. Y me lo creo, de la misma forma que creo que Peter Jackson es uno de los grandes directores y que, siempre, tendrá algo que decir en el cine. Tiene que haber para todos los gustos.

"An education" (2009)

2010-03-09T20:32:00.005+01:00

Muchas veces ocurre que una película me gusta y me disgusta a la vez. Esto me pasa con "An education". Por un lado, me parece que tiene muchas fortalezas: una protagonista femenina (Carey Mulligan, multipremiada actriz de 24 años por esta cinta) potente, interesante, con matices cuidados y naturales; un guión interesante en la base, escrito por un buen autor como es Nick Hornby (Alta fidelidad, En picado, etc.); un buen reparto de secundarios (Alfred Molina, Rosamund Pike, Dominic Cooper, entre otros), además de un coprotagonista que gana con los años: Peter Sarsgaard y una producción muy por encima de la media en cuanto a la estética.

No obstante, tiene muchas cosas que le restan puntos: el guión, si bien parte de una gran idea, va perdiendo fuerza y deja algunos cabos sueltos, sobre todo, hacia el final de la película; se regodea en repetir algunos comportamientos o motivaciones, cuando realmente han quedado claras sus razones y su origen. A ratos, hay una luz muy mal aprovechada, que no puede justificarse por una cuestión de estilo.

Así y todo, me parece una buena tarea la de Lone Scherfig (directora danesa a la que conocimos por "Italiano para principiantes", 2000) y hago un balance positivo en la suma de todas sus partes. ¿Podría haber sido mejor? Sin duda. Pero es una opción de adentrarse en los oscuros rincones de una familia inglesa y de la dudosa línea moral sobre la que camina el padre (Molina), a medio camino entre la emancipación o la mujer como florero.

Tiene más subtextos que textos, punto a favor, pero pueden pasar desapercibidos para el gran público. Creo que se pueden ir deshilvanando muchas ideas desde "An education", pero podría haber resultado mucho más poderosa en otras circunstancias y, quizás, arriesgando un poco más en una historia que podría dar mucho más de sí.

El triunfo de "The hurt locker"

2010-03-08T09:20:00.004+01:00

Me alegro infinitamente de mis aciertos y mis errores sobre lo que publiqué ayer.

Mi deseo de Mejor Película se cumplió por sobre las expectativas bajas que tenía de la Academia y "The hurt locker" (En tierra hostil) se llevó 6 premios de los 9 en los que competía, convirtiéndose en la ganadora de la noche y dejando a "Avatar" con unos ridículos 3 premios técnicos.

Mejor Dirección para Kathryn Bigelow, haciendo historia en una categoría profundamente machista. De igual forma, pleno acierto en las cantadas candidaturas actorales. Quien haya pensado que se escucharían otros nombres, estaban profundamente equivocados.

Sorpresa en la Película Extranjera para "El secreto de sus ojos", argentina donde las haya y no española como quieren hacernos creer. Da igual de donde venga el dinero, cuando lo que realmente importa es la esencia y esa es indiscutible.

Fallé en el Guión Original, que premió a "The hurt locker" y dejó a Tarantino con las manos vacías. El Adaptado, sí que lo acerté junto a "Precious". La Academia no quiso meterse con los problemas legales de los autores de "Up in the air", película que se fue de vacío a casa.

Se me olvidó poner en mis apuestas a "Up" como Mejor Película de Animación, aunque parezca oportunista. Pero también era un premio seguro.

Me quedo contento y feliz con los Oscar. Que hayan premiado un trabajo muy modesto y honesto, a la vez poderoso e intenso en sus principios, me llena de satisfacción y esperanza para los próximos años.

Los Oscar: algunas de mis apuestas

2010-03-08T00:19:00.005+01:00

En unos minutos comienza la gala de los Oscar y tengo algunas apuestas:

- Mejor Película: me gustaría que fuera "The hurt locker", pero creo que será "Avatar".
- Mejor Director: apuesto por Kathryn Bigelow pese a que la historia del premio juega en su contra.
- Mejor Actor: Jeff Bridges.
- Mejor Actriz: Sandra Bullock, pero mi voto es para Meryl Streep.
- Mejor Actor de Reparto: Cristoph Waltz.
- Mejor Actriz de Reparto: Mo'Nique
- Mejor Película Extranjera: La cinta blanca, de Michael Haneke
- Mejor Guión Original: "Malditos bastardos"
- Mejor Guión Adaptado: "Precious" (o el disputado de "Up in the air")

En las categorías técnicas, creo que vencerá "Avatar" y se convertirá así en la ganadora de la noche.

Lamentablemente, este año voy un poco atrasado con las películas candidatas y me faltan muchas por ver. Mañana a primera hora veré si me he equivocado mucho o no, pero no puedo apostar al 100% como en años anteriores.

El inevitable destino

2010-02-25T23:34:00.003+01:00

“La huida no ha llevado a nadie a ningún sitio” (Antoine de Saint-Exupery)

Una de las cosas que más llama la atención de Antes que el diablo sepa que has muerto (Before the devil knows you’re dead, Sidney Lumet, 2007) es su asimétrica estructura temporal y la interesante visualización de una misma historia a través de los ojos de quienes participan en ella. Si bien esto no resulta una absoluta novedad, porque el quiebre narrativo cronológico ha sido sobrepasado o ignorado en muchas ocasiones –Memento (Memento, 2000) o Irreversible (Irrèversible, 2002) por mencionar algunas de las más recientes-, sí da un paso hacia adelante: no utiliza el recurso innecesariamente, sino que lo convierte en parte absoluta e inseparable del desarrollo, en un elemento más de la trama.

Sin ánimo de desgranar una historia que nada tiene que envidiarle a otras grandes tragedias, la cinta de Lumet coge evidentes elementos de “El Rey Lear”, de William Shakespeare, y de otras películas del género, para sumergirnos en una masculinizada y moderna versión de las hijas que conspiran contra su padre, estructurando una historia tan gris como la Nueva York en la que se desarrolla, alejada completamente del cliché turístico y de las grandes atracciones metropolitanas que posee.

No obstante, el escenario no es relevante, como tampoco lo son las motivaciones de los personajes. Sabemos que han llegado al lugar que ocupan en la historia por alguna desconocida razón –quizás el lugar de donde más cojea la propuesta del director-, pero ninguna de ellas justifica o explica su comportamiento: mentiras, adulterio, fraudes, asesinatos. Su familia no es perfecta y tampoco disfuncional. Sus trabajos son normales y también lo son sus vidas cotidianas. Sin embargo, todos ellos tienen el continuo deseo de huir de la realidad en la que les ha tocado vivir o a la que han llegado por un cúmulo de malas decisiones o la incapacidad particular de procurarse una situación mejor.

La planificada y perfecta traición de los hijos hacia sus padres, alcanza magníficas proporciones, se convierte en un profundo infierno y cruza la realidad con las peores pesadillas. Es el pilar fundamental de la propuesta de Lumet: no es una película de policías y ladrones, como tampoco es un film intimista sobre la familia. No, el director es capaz de construir una permanente tensión entre un thriller y un drama, oscuro y complejo a la vez, lleno de aristas tan esperables como sorprendentes, donde muchas cosas no son lo que parecen. Todo ello desgranado a través de un guión calculado como un reloj para que las revelaciones aparezcan en el lugar preciso que nos permita comprender las razones por las que estamos siendo testigos de esa parte de la historia.

Ya en la primera secuencia de la película se propone la idea de escapar, de cambiar de país, como una forma de sobrevivir al pasado y a un angustioso presente. A partir de ese instante, las huidas serán una continua necesidad. El problema principal, como siempre, radica en que los personajes no son capaces de darse cuenta de que para liberarse no basta sólo la movilidad geográfica; los fantasmas viajan con nosotros allí donde vayamos.

La infelicidad permanente de Gina Hanson (Marisa Tomei), la obsesiva insatisfacción de Andy (Philip Seymour Hoffman), la inestabilidad de Hank (Ethan Hawke) y la distancia impuesta hacia su familia por un padre incapaz (Albert Finney), se convierten así en los ingredientes perfectos para que estalle un drama pleno de intensidad. Y da igual el número de intentos que hagan por cambiar de vida, porque sus actos los han atado en una madeja imposible de desatar sin nefastas consecuencias.

Si bien Saint-Exupery dice que las huidas no llevan a ningún sitio, en el caso de estos personajes la realidad es otra: sus intentos de escapar los transportarán a un infierno cada vez peor, incluso más desolador que aquel del cual han intentado salir, hundiéndolos en la mayor de las miserias y otorgando un final tan arrollador como difícil de digerir.

La crueldad del paso del tiempo: Estrellas al límite

2010-02-25T23:25:00.005+01:00

“Reloj detén tu camino, porque mi vida se apaga…” (Roberto Cantoral)

El tiempo se ha convertido en una cruel constante para muchas de las grandes estrellas. Hoy en día son pocas las excepciones que superan la barrera de la mediana edad de forma digna, manteniendo su estatus dentro del sistema y desarrollando aún más su talento, fama y fortuna. La primera que se nos viene a la cabeza es Meryl Streep, que con más de 60 está viviendo una nueva juventud a base de musicales comedias, culinarias protagonistas o castradoras interpretaciones.

En los hombres suele ser más habitual que mantengan su caché pasados los 50, pero en las mujeres no ha sido así a lo largo de la historia del cine. Excepciones hay pocas actualmente: además de Streep, Sophia Loren, la gran estrella italiana, goza de buena salud aunque sus apariciones sean esporádicas. De igual forma Helen Mirren, Diane Keaton, Julie Walters, Judi Dench, Maggie Smith y alguna más, escapan a la dura realidad y consiguen colarse en las pantallas con mucho talento que mostrar, incluso en ocasiones, con grandes éxitos: Mamma Mia! (ídem, Phyllida Lloyd, 2008); Cuando menos te lo esperas (Something’s gotta give, Nancy Meyers, 2004); la saga del joven mago Harry Potter; Shakespeare enamorado (Shakespeare in love, John Philip Madden, 1998); Billy Elliot (ídem, Stephen Daldry, 2000), por mencionar algunos.

Algunos de sus papeles no sólo les han valido el reconocimiento unánime de la crítica, sino que también el apoyo del público en las taquillas. Pero esos roles que desempeñan no se acercan a la majestuosidad que alcanzaron las grandes estrellas del cine en el ecuador del siglo XX: la Margo Channing de Bette Davis en Eva al desnudo (All about Eve, 1950, Joseph L. Mankiewicz) o la Norma Desmond que interpretó Gloria Swanson en una de las cintas más crudas sobre el correr del tiempo y la gloria pasada: El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, Billy Wilder, 1950). No, ellas jugaban en ligas mayores.

Ambas estrellas se encontraban en momentos distintos de sus carreras: si bien es cierto que la Davis no pasaba por una buena racha, aún mantenía su imagen de diva distante, talentosa, difícil e inalcanzable. Por el contrario, Gloria Swanson renació con un papel a su medida: una actriz sumida en el más duro ostracismo, hundida en el recuerdo de su juventud y de su éxito.

Guardando sus abismales diferencias, ambas cintas tocaban el tema del paso del tiempo, del miedo a envejecer, a perder ciertos privilegios por culpa de una escurridiza juventud. Bette Davis se luce en Eva al desnudo intentando no ser eclipsada por una Anne Baxter en estado de gracia, joven admiradora que termina por robarle casi todo a la otrora estrella, pero que suponemos tendrá que sufrir también en carne propia los efectos del tiempo en su propio cuerpo, cuando Mankiewicz nos enseña esa última escena en que la recién llegada Phoebe se contempla en un interminable juego de espejos, imitando a su estrella y volviendo a comenzar el ciclo que, inevitablemente, tendrá el mismo final: la juventud vencerá a la experiencia.

Con una factura magnífica y precisión talentosa, Eva al desnudo elevó otra vez a Bette Davis a lo más alto del podio de actrices, y venció a la obra de Wilder en los premios Oscar, tras conseguir 6 estatuillas de las 14 a las que optaba, entre ellas, la de Mejor Película. No obstante, su renacer no duraría demasiado tiempo y volvería a ser olvidada por el Hollywood de los estudios hasta 1962.

A su vez, Gloria Swanson literalmente pierde la cabeza en sus intentos de volver a las pantallas como la gran actriz que fue en su día. Víctima de sí misma, de sus propios complejos y de una industria que olvidó a sus viejas glorias, su papel de Norma Desmond camina siempre en la fina línea entre la nostalgia y el patetismo más macabro.

Empeñada en escribir el guión que le devolverá el sitial que le corresponde (“Yo soy grande; son las películas las que se han vuelto pequeñas…”, frasea con desprecio Swanson en su interpretación), Norma Desmond será capaz de todo para conseguir su objetivo, incluso de exponerse al ridículo más intenso frente al mismísimo Cecil B. De Mille, cuando confunde la vida real con un set de filmación. Esos ojos, esa mirada perdida…

Quizás más autobiográfica de lo que parece, la historia de Norma Desmond se ha visto replicada numerosas veces en televisión o en el cine. No por nada, han sido muchas las actrices maduras que han representado este tipo de roles: Goldie Hawn en El club de las primeras esposas (The First Wives Club, Hugh Wilson, 1996) se negaba a sus más de 50 años a ser “la madre de” y quería seguir siendo la heroína protagonista de piel tersa, abusando del bisturí y del alcohol como consuelo. O el caso de Lisa Kudrow en la serie The comeback –algo así como El Regreso- (ídem, Varios directores, 2005), inédita en España, y que la convertía en una ex estrella juvenil dispuesta a todo con tal de lograr su regreso al éxito, reality show incluido. Su magnífica y perturbadora interpretación, llevada al extremo de la vergüenza ajena, era una interesante radiografía de este tipo de personajes en pleno y “evolucionado” siglo XXI.

Pero la obra máxima de lo que sucede con las viejas glorias, es ¿Qué fue de Baby Jane? (What ever happened to Baby Jane?, Robert Aldrich, 1962), donde dos de las más grandes actrices de la historia del cine, Bette Davis y Joan Crawford, llevan su rivalidad de la vida real hacia sus personajes. Dos hermanas, Jane, una antigua estrella infantil, despreciada por los directores y productores en su etapa adulta; y Blanche, olvidada de niña y posteriormente reconvertida en gran actriz, se enfrentan en un drama de proporciones despiadadamente macabras.

Luego de un confuso accidente, Blanche queda recluida a una silla de ruedas y al cuidado de su hermana en una vieja y tétrica mansión, dando inicio a un duelo titánico de egos, nostalgia y locura. Nunca habíamos visto a una actriz que supiese interpretar el desequilibrio mejor que la Davis. Su exceso de maquillaje y lo grotesco del personaje, ayudados por un guión truculento y lleno de suspense, nos llevan al límite de lo que significó un pasado mucho mejor y de lo difícil que es soportar el desengaño provocado por los sueños vividos, convirtiéndolos en auténticas pesadillas.

La inolvidable escena final –cuesta sacársela de la cabeza-, en que Jane baila en la playa con un mantecado de fresa en cada mano, mientras la policía intenta salvar a la moribunda Blanche, marcó un hito interpretativo para muchas actrices y guionistas que, de una forma u otra, han tratado de imitarla con mayor o menor éxito (sobre todo en la subcultura del culebrón).

Viejas glorias, grandes películas y mucha calidad. Si el cine ha sido capaz de representar una y otra vez la misma historia, por qué no es capaz de reflexionar y darse cuenta de que el talento de sus estrellas no acaba a los 40 años, sino que se multiplica por cada vela que apagan en su tarta. Sino que se lo pregunten a Meryl Streep y a su inagotable agenda de filmación a los 61 años.

"The hurt locker" (2008)

2010-02-25T22:50:00.004+01:00

Una de las cosas más llamativas de "The hurt locker" (En tierra hostil) es que derrocha testosterona por todos lados, sobre todo, porque ha sido filmada por una mujer. La directora Kathryn Bigelow, curtida en "K-19: the widowmaker" (2002) o en "Point Break" (1991), pone sobre la mesa todo su talento para sacar esta película que ha conseguido la nada despreciable suma de 9 candidaturas a los Oscar, empatando con "Avatar" de su ex marido, James Cameron, y llevándose los dos premios Bafta más importantes: Mejor Película y a la Mejor Dirección.

Es una película de acción pausada, contenida y eficiente, a la vez que tremendamente poderosa y adrenalínica. No agota al espectador con escenas de movimientos rápidos ni con esquizofrénicas persecuciones, sino que observa con crudeza y realidad las labores de un comando de desactivación de bombas en medio del conflicto iraquí.

Quizás falla en un lado humano que intenta abordar sin demasiado éxito, pero no es más que un mal menor ante tanta solidez. La cinta resulta árida, interesante y contemplativa, sin perder un ápice de intención e intensidad. Sus imágenes son capaces de transmitir la angustia, el estrés y la tensión de un grupo de militares unidos por un desgraciado destino. Entre ellos, vemos a Guy Pierce ("Memento"), Ralph Fiennes ("El paciente inglés") y, como protagonista, a Jeremy Renner, rostro poco conocido en muchas latitudes.

De todas formas, es un tema que, a muchos, nos resulta ajeno y quizás "demasiado americano", motivo por el cual no ha golpeado con la fuerza que debería en otras latitudes. Pese a esa condición, tampoco ha sido especialmente llamativa su recaudación (no supera los 20 millones de dólares) pese a las alabanzas que ha recibido por parte de la crítica y de los premios y nominaciones que ha conseguido.

A mí me ha gustado, lo que es llamativo si tenemos en cuenta que las películas bélicas no son mi fuerte. No es de lo mejor que he visto, pero tiene la suficiente consistencia como para pararse con orgullo frente a sus oponentes en la noche del Oscar. Si sigue la corriente de los Bafta podríamos ver, por primera vez, a una mujer levantando la estatuilla dorada por su labor en la dirección. ¿Estará Kathryn Bigelow llamada a hacer historia?

"A single man" (2009)

2010-02-24T20:17:00.005+01:00

El debut de Tom Ford, uno de los iconos del diseño de moda de las últimas dos décadas, se salda con el siguiente resultado: un magnífico Colin Firth en una película que, de tan pretenciosa, se queda únicamente en un bello envoltorio estético y pierde fuelle a medida que avanza el guión.
La trágica historia de una pareja homosexual en los Estados Unidos de los años 50-60, nos sumerge en la triste realidad de un hombre contenido, represivo en sus sentimientos y absolutamente perdido en sus recuerdos, pese a un envoltorio de revista de decoración y desfile de Armani, donde todo es pulcro, perfecto, calculado hasta el más mínimo detalle. Pero Colin Firth se mueve como pez en el agua en ese envoltorio y lo hace casi creible. El problema es que sólo llega hasta ahí.

El guión de "A single man" se desgrana en repetirnos, una y otra vez, lo triste que está el hombre mientras calcula y prepara sus últimas horas, plan que falla repetidamente, al punto que se convierte en una caricatura, provocando algunas carcajadas entre el público por lo ridículo de la situación. Hasta que aparece en escena un casi irreconocible Nicholas Hoult, el niño que conquistó a Hugh Grant en "About a boy" y nos hizo sufrir con su versión de "Killing me softly", para darle una pequeña y breve vuelta de tuerca a la historia.

Me ha decepcionado pese a que tiene cosas rescatables: la música me pareció interesante y bien escogida (algo reiterativa y cansina en algunas ocasiones); las imágenes y el tratamiento que se ha hecho de ellas es un buen trabajo, pero si el fondo no lo acompaña, finalmente no tiene mucho sentido. Juliane Moore resulta atractiva y decadente en el papel de Charley, la amiga incondicional, pero la he visto mejor en otras películas. El español Jon Kortajarena, como actor, es un excelente modelo de pasarela. Y, sin duda, lo mejor de todo es un Colin Firth cada vez más acertado, más arriesgado y con una gran presencia en pantalla.

"Precious" (2009)

2010-02-24T19:53:00.006+01:00

"Precious" ("Precious: based on the novel Push by Sapphire", 2009) es una película menor en muchos aspectos: no tiene una brillante cinematografía, abusa de recursos que poco aportan a la historia (las imágenes oníricas) y podría haber resuelto mejor ciertas secuencias. No obstante, es una cinta potente, poderosa, intensa, llamativa y un duro golpe en la cara a una sociedad americana ciega y autocomplaciente.

Hace tiempo que no veíamos un Nueva York tan duro, tan ajeno a los lujos y a la vida mundana, perdido entre los problemas, la miseria, la autodestrucción y el salvajismo social. Y, quizás lo mejor, es que no necesita enseñar la herida sangrante, sino que simplemente sugerir la decadencia y el dolor de una joven violada por su padrastro, embarazada por segunda vez, con un déficit educacional de proporciones y muchas otras cosas con las que cargar, entre ellas, una madre al límite que no duda en agredirla y degradarla a partes iguales.

La casi segura ganadora al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria, Mo'Nique, presenta, en una poderosa interpretación, a la insoportable madre de Clareece "Precious" Jones (Gabourey Sidibe) y se roba la pantalla en la escena frente a la asistente social que lleva el caso de su hija, la señorita Weiss, una casi irreconocible Mariah Carey quien resuelve de buena manera su breve papel.

Pese a sus flaquezas (y no es un mal intencionado juego de palabras), "Precious" es uno de los estrenos que más me han impactado. Hace tiempo que no veía una historia contada con tanta intensidad y delicadeza, con tanta fuerza y recato. Su principal baza ganadora es que no se regodea en la desgracia, pero no la oculta y la enseña con cuidado, con respeto y sin que la historia de una joven que reconstruye su vida, pedazo a pedazo, pierda un ápice de crueldad.

"Invictus" (2009)

2010-02-08T11:32:00.004+01:00

La última aventura de Clint Eastwood como director es "Invictus", obra menor dentro de sus últimas películas. Menor no porque esté mal filmada o pensada, sino porque es tan predecible, tan calculada, tan americana, que a ratos provoca un rechazo corporal mezclado con algo de emoción. Al menos yo, manojo de contradicciones, no puedo evitar emocionarme ante las gestas deportivas heroicas, pese a que ya las he visto una y otra vez.

Una de las sorpresas de "Invictus", para mí, ha sido encontrar un rostro conocido: Leleti Khumalo, que encarna a Mary, cercana a Nelson Mandela (genial Morgan Freeman). A Khumalo la vi hace unos 18 años en una llamativa película sudafricana "Sarafina!", una suerte de musical-político-étnico donde, precisamente, la joven cantaba a un Mandela todavía preso en pleno Appartheid, en medio de las protestas estudiantiles que se llevaron por delante la vida de miles de jóvenes.

A ratos muy reiterativa, la cinta de Eastwood se regodea en exceso en los encuentros de rugby, sometiéndonos a un largo encuentro final que me recordaba al hundimiento del Titanic. ¿Es necesario repasar casi minuto a minuto lo que ocurrió? Para unos sí, para otros no. A mí me sobraron muchos momentos y así, un film cuyo metraje alcanza las dos horas, podría haberse reducido en 30 minutos sin alterar lo más mínimo el resultado.

Me gustó el acento sudafricano en el inglés de Matt Damon y el arrastre de palabras y las pausas que Morgan Freeman hace como Nelson Mandela. Muy cuidado el trabajo de los actores principales y de algunos secundarios, aún cuando muchos de ellos no son más que los acostumbrados arquetipos de "desconfiado, aprendo, ahora confío".

Eastwood no es un mal director, eso lo sabemos todos, pero después de "Gran Torino" quizás esperaba algo más interesante, más profundo, más intenso. Las épicas deportivas, pese a que me llegan, me cansan rápidamente y pasan al olvido más absoluto.

Comienza la carrera por el Oscar

2010-02-02T16:13:00.005+01:00

Penélope Cruz se vuelve a colar en la categoría de Mejor actriz secundaria por "Nine", pero como ya he dicho antes, es una competencia desleal, porque es un premio que ya tiene su nombre grabado: Mo'Nique, por su papel de madre abusiva en "Precious", cinta que postula también en otras cinco categorías incluyendo mejor película, director, actriz, guión adaptado y edición.

Las favoritas de este año y bastante lejos de los máximos de nominaciones de años anteriores son "Avatar" y "The hurt locker", que tienen como añadido el hecho de que enfrentan a ex marido y ex mujer por Mejor película, dirección y algunas categorías técnicas, sumando cada una 9 opciones de llevarse a casa la estatuilla. Será una larga y dolorosa contienda entre el realismo de una guerra de Irak sin ideologías y el fantástico mundo de Pandora y sus azules habitantes.

Por su parte, "Up in the air" y "Up" que, sin ser más que una extraña coincidencia, se encumbran a lo más alto con 6 nominaciones cada una. Lo mismo ocurre con otro alcance de nombre: "Nine" y "District 9" postulan en 4 categorías cada una, igualando a "Star Trek", que compite únicamente a premios técnicos.

Como cosa aún más curiosa, la coincidencia de nombres entre el personaje de George Clooney en "Up in the air" y el autor de "Crazy Heart" nominada a Mejor Canción: Ryan Bingham. Los Oscar no dejan de sorprendernos con pequeños detalles.

Se auguran unos repartidos premios, pero creo que con pocas sorpresas en las categorías actorales: Sandra Bullock se estrenará como Mejor Actriz ("The blind side"), mientras que Jeff Bridges ("Crazy Heart") se llevará a casa el suyo -dejando a Meryl Streep con su 16ª nominación y más de 25 años sin ganar ninguno-, al igual que Cristoph Waltz ("Inglourious Basterds") y la ya mencionada Mo'Nique.

"Up in the air" seguramente volverá a casa con el Oscar al Mejor Guión Adaptado y quizás Quentin Tarantino podrá llevarse uno por sus "Malditos bastardos". Alemania podrá triunfar como Mejor Película Extranjera por "La cinta blanca" de Michael Haneke, mientras que "An education" auguro que se irá con las manos vacías a casa.

Almodóvar no consiguió nada con sus "Los abrazos rotos", al igual que España ya se había quedado fuera con la mala elección de "El baile de la victoria". Argentina y Perú se posicionan con escasas opciones en la categoría de Mejor película extranjera, pero quizás inaugurando un periodo de mayor relevancia del cine latinoamericano en Estados Unidos.

Según se acerque la fecha de la ceremonia (próximo 7 de marzo) y haya visto todas o casi todas las películas en la carrera de los Oscar, podré apostar con mayor certeza por las que creo que saldrán premiadas y que, obviamente, no siempre coinciden con mis favoritas.

Ya tenemos nominados

2010-02-02T15:21:00.008+01:00

Películas	Total Nominaciones
Avatar	9
The Hurt Locker	9
Inglourious Basterds	8
Precious	6
Up in the air	6
Up	6
Nine	4
District 9	4
Star trek	4
An Education	3
Crazy Heart	3
The Young Victoria	3
The Princess and the Frog	3
The blind side	2
A serious Man	2
Invictus	2
The Last Station	2
The Messenger	2
La Cinta Blanca	2
The Imaginarium of Doctor Parnassus	2
Sherlock Holmes	2
Fantastic Mr. Fox	2
Julie & Julia	1
A single man	1
The Lovely Bones	1
In the loop	1
Harry Potter y el príncipe mestizo	1
Coco Avant Chanel	1
Bright star	1
Il divo	1
Faubourg 36	1
Coraline	1
The secret of Kells	1
El secreto de sus ojos	1
La teta asustada	1
Un profeta	1
Ajami	1

"Up in the air" (2009)

2010-01-23T22:52:00.004+01:00

El director Jason Reitman ("Juno") nos entrega otra deliciosa película con una apariencia liviana, pero con muchas críticas o posibles lecturas. Es lo mejor de la simpleza: aparentar superficialidad, dando golpes duros donde más duele. Y eso, el hijo de Ivan Reitman ("Twins", "Evolution" y que está preparando "Ghostbusters III") lo sabe hacer perfectamente.

Cuenta la historia de un hombre que trabaja para una empresa de recursos humanos encargada del desagradable trabajo de despedir gente, por lo que su vida es un constante viaje de un punto a otro de Estados Unidos. Su rutina no es más que una muestra de sí mismo: sin ataduras, sin raíces, donde todo es efímero y pasajero. La imagen que tiene George Clooney de eterno soltero, calza perfectamente con el personaje de Ryan Bingham, por lo cual le agrega un punto de credibilidad importante a una interpretación prácticamente sin fallos, dentro de su propia linealidad.

Sus contrapartes femeninas, sin duda, se roban la cámara y gran parte de la historia: Vera Farmiga como la amante ocasional, entre maletas y aeropuertos; y Anna Kendrick, como la joven aprendiz que ve tambalear su vida ante una realidad laboral que no le acomoda nada y a la que llegó sin querer. Ambas aprenderán de Bingham, a la vez que le enseñarán importantes y duras lecciones.

Graciosa, con momentos de emotividad, "Up in the air" es uno de los estrenos más comentados del 2009 y que está dando de qué hablar en la temporada de premios, luego de colarse en importantes categorías, y de obtener numerosos reconocimientos como Guión Adaptado. Y se parece a "Juno" en que, sin grandes aspiraciones (o al menos muy ocultas), sorprende con un resultado positivo en la suma de beneficios/pérdidas y se convierte en una historia que sentimos como propia casi desde los primeros 10 minutos.

Como último bocado: me gustó mucho la banda sonora. ¡Impecable!

"Nine" (2009)

2010-01-23T13:23:00.003+01:00

Los nombres ligados a "Nine" ya son toda una declaración de intenciones (intente leerlos sin suspirar): Judi Dench, Sophia Loren, Nicole Kidman, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Kate Hudson, Fergie y Daniel Day-Lewis, todos bajo la dirección de Rob Marshall, el artífice de la cinematográfica adaptación de "Chicago" (2002) y con un guión en el que tomó parte Anthony Minghella, escritor y director de, por ejemplo, "El paciente inglés".

Como inevitables son las comparaciones, comenzaré diciendo que "Chicago" me pareció superior como musical, pero creo que tiene que ver más con la fuente que con la adapatación o la forma de llevarlo al cine. Por lo demás, "Nine" es un espectáculo visual de primera línea, más o menos siguiendo la espectacularidad que ya hemos conocido de la mano de Rob Marshall.

Una crisis creativa es la excusa para que Guido Contini (Day-Lewis) nos presente a las mujeres de su vida: la esposa, la amante, la madre, la puta, la amiga, la musa y la pasajera aventura. Cada una de ellas representada por alguna de las estrellas del reparto, con diferentes grados de efectividad.

Que me perdone Amélie y Audrey Tatou, pero Marion Cotillard es la estrella francesa más grande del último tiempo: cada vez más guapa, con un desbordante talento y una carrera en ascenso permanente. Penélope está muy bien como la sensual amante de Contini; Fergie tiene una breve aparición, pero su número musical es el mejor y más llamativo visualmente de todos.

Judi Dench es la amiga y se luce; Sophia, la mamma, quizás decepciona un poco, pero sigue siendo la Loren. Nicole Kidman tiene una aparición breve y poco sabrosa, mientras que la también fugaz Kate Hudson se monta el único número musical creado para el cine, pero que queda fuera de contexto, de estilo, de la historia y parece más bien un intermedio de blanco y negro radiantes.

De Daniel Day-Lewis sólo se puede decir que, como siempre, es un actor brillante. Lo mejor es disfrutar de la versión original para escuchar su inglés teñido de italiano. Lo mismo digo de Cotillard que, siendo francesa, frasea un inglés italianizado prácticamente perfecto.

No es tan grande como la venden, pero "Nine" es el resultado de un arduo trabajo y se nota en pantalla. Los números musicales y, sobre todo, la entrada al mundo de Guido Contini son magníficos, pero la historia carece de fuerza y solidez para mantenerse dos horas en pantalla sin resultar un poco reiterativa. Y no sé si fue un problema del cine o no, pero en muchas ocasiones el sonido bordeaba la estridencia. ¿Mala mezcla de sonido o un problema con la sala? No lo sé, tendría que conocer vuestras opiniones.

"Celda 211" (2009)

2010-01-18T23:46:00.005+01:00

Trepidante y entretenida son dos calificativos que me vienen a la cabeza cuando me acuerdo de la película de Daniel Monzón ("La caja Kovak"). Trepidante porque no baja su ritmo en ningún momento y entretenida porque, pese a la crudeza de muchas de sus escenas, mantiene el interés del espectador tanto en las escenas más violentas, como en los diálogos más íntimos.

El director ha sabido construir una buena historia y filmarla con una precisión que invita a ser un recluso más en la cárcel de Zamora. Llena de "realidad" y dando una gran sensación de veracidad, "Celda 211" es uno de los mejores estrenos españoles de 2009, pese a que el guión no es todo lo sólido que me gustaría y flaquea en algunos momentos.

No me gusta comparar, pero puestos a elegir entre ésta y la cinta de Trueba, me quedo con la historia de Monzón, aunque también entiendo que no es "carne de Oscar" una película tan poco correcta y que no vende nada bien el entramado carcelario, la seguridad y el país en general. Y lo que es mejor, sin salir de prisión. Porque la crítica que vemos en pantalla no es solamente a un deficiente sistema presidiario y a las malas condiciones de los reclusos, sino a una sociedad sin oportunidades, podrida en algunos sitios, donde no se puede confiar en nadie.

Con un Luis Tosar que ha construido a un "Malamadre" creible, duro, lleno de sensibilidad y mala leche, imponente como líder carcelario (con un Goya seguro bajo el brazo), el resto del reparto tiene poco que hacer. Si bien no están nada mal en lo que hacen, algunos de ellos no dan la talla en precisos y preciosos momentos, como es el caso del joven Alberto Ammann en su arenga personal hacia el final de la película. Lo siento, pero le queda muy grande.

Más emocionante que emotiva, "Celda 211" ha sido una sorpresa. Pese a la sordidez del entorno y a la rudeza de su historia, hay varias lecturas que pueden hacerse de ella y hay muchos niveles dentro del discurso de los personajes. Es una de esas películas que te dejan hablando de ellas un buen rato. Y sólo por eso, se merece un cierto respeto.

Temporada de premios II: Golden Globe Awards

2010-01-18T11:57:00.008+01:00

Anoche fue la entrega de los Globos de Oro y me quedo con un mal gusto en la boca. "Avatar", de James Cameron, se lleva las estatuillas de Mejor Película de Drama y Mejor Director, en un mal presagio para la noche de los Oscar. Espero que la Academia se encargue de revertir el resultado, no porque la cinta del director de "Titanic" no tenga méritos (seguro que los tiene), pero no creo que llegue a tanto para llevarse las categorías principales. Por su parte, "The hangover" ("Resacón en las vegas", se llevó a casa el de Mejor Película de Comedia o Musical).

Sandra Bullock (Mejor Actriz de Drama) y Meryl Streep (Mejor Actriz de Comedia o Musical por "Julie & Julia") repiten triunfo, dejando a la primera en una buena posición para luchar por el Oscar el próximo 7 de marzo: actriz americana, querida por el público, con un leve cambio de look para la película y, probablemente, con méritos suficientes para llevárselo. Lo podré decir con mayor certeza cuando "The blind side" llegue a nuestras pantallas.

"Nine" se volvió a ir de vacío, junto a Penélope y Almodóvar, que tuvo que ceder el paso a "La cinta blanca" de Michael Haneke en el apartado de Mejor Película Extranjera, dejando en blanco a la chilena "La Nana" que tanta expectación ha provocado en su país.

Jeff Bridges ("Crazy Heart") fue premiado como Mejor Actor de Drama, dejándole también el camino libre hacia los Oscar con muchas papeletas para triunfar. Por su parte, Robert Downey Jr. triunfó en la misma categoría, pero Comedia o Musical, por el "Sherlock Holmes" de Guy Ritchie. En cuanto al secundario, se quedó en manos de Cristoph Waltz por "Inglourious Basterds", los "Malditos bastardos" de Tarantino, quien va directo a repetir premio el próximo 7 de marzo, al igual que la actriz Mo'Nique por su interpretación en "Precious".

"Up", la maravillosa cinta de Pixar, repite como Mejor Film de Animación y se lleva también la categoría de Mejor Partitura Original gracias a la música creada por Michael Giacchino.

TELEVISIÓN

En los premios para la televisión, Alec Baldwin ("30 Rock") y Toni Collette ("United States of Tara") triunfan en las categorías actorales de comedia, mientras que en drama lo hacen Michael C. Hall ("Dexter") y Julianna Margulies ("The good wife"). Pero las series que se llevan los Globos de Oro a casa son "Mad Men" en drama y "Glee" en comedia.

Por último, Kevin Bacon ("Taking chance") y Drew Barrymore ("Grey Gardens") fueron premiados por sus actuaciones en miniseries o películas para la televisión, en dos productos que todavía no llegan por tierras españolas.

Temporada de premios: Critics Choice Award

2010-01-16T16:09:00.006+01:00

Comienza ya la temporada de nominaciones y premios, con los Globos de Oro a la vuelta de la esquina y los Oscar como cierre. Por más que digamos que hay mucho cine fuera del alcance de Hollywood, cada año ponemos los ojos y apostamos por quienes serás los "más" en cada una de las categorías. Nos gusta el juego y, lo que es mejor, jugarlo.

Ayer fue la entrega de los Critics Choice Award y se siguen repitiendo los nombres que vienen sonando hace algunas semanas:

Kathryn Bigelow como Mejor Directora por "The Hurt Locker", una película sobre la invasión en Irak de la que he oído maravillas y que, dicen, roza la perfección. Habrá que verla para juzgarlo, aunque desde ya digo que las películas bélicas no son mis favoritas casi nunca.

Jeff Bridges deja atrás a los también favoritos, Colin Firth y George Clooney, en la carrera de Mejor Actor por su trabajo en "Crazy Heart", otra de las películas de las que se viene hablando hace rato en el mundillo del cine americano.

Meryl Streep ("Julie/Julia") comparte premio con Sandra Bullock ("The blind side") como Mejor Actriz. El domingo se verán las caras en los Globos de Oro, pero en distintas categorías: Streep en Comedia o Musical y Bullock en Drama.

Por su parte, el musical "Nine" vuelve con las manos vacías a casa en un mal comienzo de temporada. ¿Mejorará mañana? Penélope ni estaba considerada entre las nominadas, desplazada por la francesa Marion Cotillard, la única del estelar reparto que tenía opciones en esta premiación.

"Avatar" promete hacerse con todos los premios técnicos, porque estoy prácticamente seguro de que no entrará en las categorías principales (Película, Director, Actor, Actriz, etc.). "Up" por su parte, se lleva el premio en la categoría de Mejor Película de Animación.

Y la Academia Española se estará mordiendo las uñas de rabia: Almodóvar vuelve con premio por "Los abrazos rotos", imponiéndose a La cinta blanca" de Michael Haneke.

"Amreeka" (2009)

2010-01-16T14:15:00.006+01:00

Pocas películas en el último tiempo habían sido capaces de mostrar con precisión lo que implica guardar tu vida en una maleta y echar a andar hacia tu nuevo destino. "Amerrika" (Amreeka, Cherien Dabis, 2009) se convierte en una compañera de viaje, a veces liviana y otras profunda, pero que sabe como hacer más llevadero el trayecto.

Filmada con sencillez, la cinta nos muestra la vida de una mujer divorciada que abandona el conflictivo territorio palestino para mudarse a Estados Unidos, acompañada de su hijo adolescente. Allí será una más en casa de su hermana (Hiam Abass, a quien hemos visto el año pasado en The visitor y Rojo Oriental) y tendrá un complicado camino para incorporarse en el nuevo país.

Prejuicios, chistes fáciles y algunos tópicos manidos, pero tan reales como la vida misma. Muna Farah (Nisreen Faour), quien tiene dos licenciaturas y mucha experiencia en el ámbito bancario, se encuentra de golpe con la realidad en EE.UU. y acaba trabajando en un local de hamburguesas, mientras su hijo hace lo posible por adaptarse a las reglas y códigos que rigen la vida de los jóvenes americanos, lo que no resulta culturalmente fácil y mucho menos en medio del conflicto iraquí, que despierta ideas xenófobas a causa del desconocimiento general sobre lo que realmente ocurre fuera de las fronteras del país.

Entrañable y con momentos de mucha ternura, "Amerrika" no es una gran película. Simplemente es una historia que, a mi parecer, no fue pulida todo lo que podía, pero que aún así es capaz de mostrar la problemática de los inmigrantes y lo difícil que es, muchas veces, abrirse paso en un país y en una cultura que te resultan ajenas. Pero, sin duda, que hacen mucha falta cintas como ésta para llegar a comprender lo que eso significa.

El baile de la victoria (resumen artículo)

2010-01-15T00:03:00.004+01:00

Hay muchas cosas que no entiendo de El baile de la victoria (Fernando Trueba, 2009), uno de los estrenos menos sonados del año en España.

El guión, muy novelesco pero poco cinematográfico, no ha conseguido una cohesión interesante de las 6 manos que trabajaron en él. El resultado no sólo es pobre, sino que carece notoriamente de un lenguaje visual, que luego es forzado por el director a costa del resultado final.

Lo primero que me llama la atención es la frialdad con la que se dibuja el Santiago actual, frialdad que es llevada a la máxima expresión con un fenómeno climático prácticamente ajeno a la capital chilena: la nieve. Y esta baja temperatura recorre gran parte del metraje, pues nunca acabamos por identificarnos del todo con los personajes. Sabemos poco de ellos y, la verdad, es que tampoco nos interesa conocerlos. Lo segundo que me resulta molesto es la utilización del recurso político como mera excusa para despertar simpatías y despertar una conciencia social.

Creo que es difícil decir que Trueba carece de talento y de arte para la dirección, pero en esta película no ha sabido demostrar las razones de sus éxitos anteriores. Peca de una pretendida profundidad, de sensiblería (que no de sensibilidad) y a ratos parece tan ambiciosa su necesidad de emocionar, que deja al espectador rebosante de indiferencia.

Pero no todo es un problema del trabajo cinematográfico –entendido como el ejercicio de dirigir– sino de un guión que se pierde en un onirismo mundano, simple y, a ratos, completamente chabacano. Además, la superposición de historias, las tramas laterales y otros giros estilísticos propios de la literatura sobran por completo y no consiguen más que hacer aún mayor su fracaso artístico.

"El baile de la victoria" (2009)

2010-01-10T21:10:00.001+01:00

No me voy a explayar respecto de la película de Fernando Trueba porque ya he escrito un artículo para publicarlo en VO. Sólo diré que es una de las peores que he visto este último año. Nada más que agregar, de momento. Siento la brevedad, pero es así.

"No es tan fácil" (2009)

2010-01-08T20:10:00.004+01:00

La directora Nancy Meyers, de quien no sabíamos nada desde "The Holiday" (2006) con Cameron Díaz, Jude Law, Kate Winslet y Jack Black, vuelve a la pantalla con "It's complicated" o con otra vuelta de tuerca a lo que podríamos llamar la comedia romántica adulta, que trabajó con tanto éxito de la mano de Diane Keaton y Jack Nickolson en la genial "Cuando menos te lo esperas" (mal título para "Something's gotta give", 2003).

Es necesario volver a su película de 2003 para entender las razones de esta nueva cinta. Meyers consiguió un espectacular reparto, una enorme recaudación -más de 266 millones de dólares- y hasta nominaciones a premios para sus actores con un género menospreciado por naturaleza (la comedia romántica), y más aún cuando está protagonizado por adultos "muy adultos". Pero la fórmula resultó bien y había que repetir.

En esta ocasión nos encontramos con Meryl Streep, bien aunque sin sus mejores galas; Alec Baldwin y Steve Martin, dos rivales de lujo para tan pretendida divorciada. La cinta funciona, es graciosa a ratos, con un par de hilarantes momentos, es simple y provoca empatía. No obstante, carece de la chispa que hizo de "Cuando menos te lo esperas" ("Alguien tiene que ceder" en Chile) un soplo de aire fresco en el mundo de las historias de amor y risas.

El dúo masculino no está mal: Baldwin aprovecha las tablas que le ha dado su éxito en "30 Rock" y Steve Martin, en un rol muy comedido, deja de lado la exageración a la que le han acostumbrado en "La pantera rosa" para convertirse en un soltero de oro. El resto del reparto, sobre todo los hijos fílmicos de Streep, son absolutamente prescindibles.

No quiero menospreciarla ni decir que ha sido una mala experiencia. No, la verdad es que se deja ver sin problemas, pero pasa rápido, sin mayores glorias y, al menos a mí, me deja ese inevitable gusto a que, indudablemente, podría haber sido mucho mejor.

Sólo tengo una pregunta final: ¿por qué Rita Wilson, la mujer de Tom Hanks, no hace más comedia? Me parece que tiene mucho más potencial del que se está reconociendo. La recuerdo bien en un capítulo de la serie "Mad about you" como una ocupada ejecutiva de televisión: ¡hilarante!

Una tarea nada fácil

2009-12-30T11:48:00.002+01:00

“El educador mediocre habla. El buen educador explica. El educador superior demuestra. El gran educador inspira”. (William Arthur Ward)

La historia del cine está plagada de referencias a la educación y a sus protagonistas. Tanto estudiantes como profesores han sido carne de celuloide en el último siglo, viviendo las más disparatadas, terroríficas, enternecedoras o románticas situaciones. No obstante, siempre nos es más fácil recordar a aquellos educadores que, de una forma u otra, han motivado a sus alumnos a luchar contra la adversidad, a ser fieles a sus valores, a ser valientes.

Ha habido muchos otros profesores cuya vocación o el camino que han elegido para educar están profundamente equivocados, lo que los lleva a traspasar los límites que la moral social impone, teniendo que pagar sus faltas con dolorosas sanciones. Lo que sí es igual para todos los educadores, buenos y malos, es que cuando se les juzga, no hay medias tintas: o se les ensalza a lo más alto o se les condena a la mayor de las miserias. Es el precio que se paga al jugar con las mentes del futuro.

El educador mediocre habla
En su última película como directora, Barbra Streisand toca de soslayo el tema de la educación universitaria, y es así porque el hecho de que sus protagonistas sean profesores solamente es una excusa para explicarnos la forma en que se comportarán a lo largo del metraje. En El amor tiene dos caras (The mirror has two faces, 1996), Jeff Bridges interpreta a Gregory Larkin, un hombre maduro e inexperto en las relaciones románticas que descubre las ventajas del amor sin sexo. Si en su vida personal, entonces, es bastante aburrido, la directora nos lo representa incluso peor en una de sus clases: completamente aislado de sus alumnos, concentrado en sus propias elucubraciones y sin ningún tipo de empatía hacia sus oyentes, quienes se duermen al ritmo de largas y engorrosas fórmulas matemáticas. Su vida no tiene más emoción que una gigantesca sucesión de números, incógnitas y signos.

Quizás algo parecido le ocurre a Richard Jenkins en The visitor (Thomas McCarthy, 2007), quien tras enviudar, ha perdido todo interés por la enseñanza, aborrece a sus alumnos, no quiere participar en algunas de sus obligaciones y apenas quiere mantener el contacto con un mundo que le resulta hostil. Sin embargo, la vida del profesor Walter Vale –papel que le valió su primera nominación al Oscar- todavía tiene mucho que entregar, pero lo hará fuera de las aulas, en lo que el cliché nos lleva a llamar “la escuela de la vida”. Será el mismo profesor quien aprenda nuevos valores que nunca hubiese descubierto protegido en su mundo universitario.

Invaluable es su breve monólogo frente a los guardias de Inmigración cuando grita: “No somos niños indefensos”, frase que encierra una dura crítica a la política del miedo que se ejerce en Estados Unidos en materia de Seguridad Nacional, a todo un sistema que se llama a sí mismo democrático. Pero lo más duro no es la idea en sí, sino que ella viene desde dentro, desde la clase intelectual, desde una persona “pensante”, algo muy poco usual en el cine americano.

El mundo de las pizarras y los libros, no obstante, se convierte en un terreno dificultoso para el desarrollo de los jóvenes y para el desempeño de los educadores. Sin ir más lejos, el director Richard Eyre nos traslada en Diario de un escándalo (Notes on a Scandal, 2006) a una escuela inglesa donde las pasiones se desatan en todos los sentidos. De la misma forma en que vemos a una odiada y amarga profesora a punto de jubilarse (Judi Dench), encontramos a la apetecible, deseada y recién llegada Sheba Hart (Cate Blanchett), quien se dejará seducir por la juventud e ímpetu de uno de sus estudiantes.

Ninguna de ellas es brillante como maestra, aunque son buenas en lo que hacen. A una le faltan tablas y disciplina, mientras que la otra carece de gracia, capacidad de adaptación y de simpatía. Judi Dench –en el papel de Barbara Covett- es tan incapaz de bajar de su autoconstruido pedestal, que no se da cuenta de los cambios en las costumbres juveniles y en la necesidad de renovarse a sí misma para mantenerse vigente. Por el contrario, Cate Blanchett es capaz de transgredir sus propios principios y ponerse en peligro ante su incapacidad de ejercer una autoridad de la que carece por completo. Las palabras de ambas en el mundo educativo son tan vacías como sus propias vidas.

El duelo entre tales fuerzas de la naturaleza, entre dos bestias interpretativas, se salda con un drama de proporciones, en el cual somos testigos del hundimiento de la figura de ambas profesoras al más profundo de los infiernos, sin posibilidad alguna de salvación. El entorno del colegio –que funciona como un diverso y reducido entorno social- será el encargado de juzgarlas, ponerlas en jaque y derrotarlas en un par de jugadas.

El gran educador inspira
Ya lo vimos en El club de los poetas muertos (Dead poets society, Peter Weir, 1989). El profesor que es capaz de treparse a las mesas, de gritar, de emocionarse y emocionar es el que realmente enseña. Se le podrá juzgar de forma errónea, pero su huella se extenderá más allá de lo imaginable.

La imagen se repite, en cierto modo, en Cadena de favores (Pay it forward, Mimi Leder, 2000) donde Kevin Spacey ejerce de un profesor que invita a sus jóvenes estudiantes a realizar un proyecto. Como era de esperar, la idea de Haley Joel Osment de crear una “cadena de favores”, termina traspasando todas las fronteras en uno de los finales más lacrimógenos de la última década.

Por su parte, Barbra Streisand se reservó en su película de 1996 el papel de Maestra con mayúsculas, de la gran oradora, de una especie de gurú entre sus estudiantes. Vemos como una Rose Morgan bastante poco agraciada, se transforma en una deslumbrante especie de líder motivacional innato: su auditorio está repleto; la gente participa, ríe, se emociona. Su inspiración traspasa la literatura, la filosofía, la historia y los arquetipos para decir, terrenalmente, que la gente está dispuesta a enamorarse una y otra vez simplemente porque –parafraseando a la actriz- “se siente jodidamente bien”. Nada más universal que el amor para conquistar a su público y un personaje hecho a su medida para lucirse.

Educadores muy dispares todos, pero con un eje común que los mueve: la pasión o la falta de ella. Algunos la utilizan para potenciar su talento y otros, para perder la poca vocación o dignidad que les quedaba. Siempre se ha dicho que para ser profesor hay que tener un ego importante –sino de qué otra forma tendrías el valor de enseñar a los demás-, pero el ego sin un sólido cable a tierra no es más que dinamita a punto de estallar.

Los buenos profesores inspiran, los malos te condenan, los mediocres sólo hablan sin decir nada y hay educadores que no explican ni demuestran muchas cosas. Lo que sí queda claro es que ser profesor en el cine no es tarea fácil y que, para demostrar su valía hará falta sacrificar algo o a alguien: su carrera profesional, su familia, el amor o, incluso, a uno de sus propios alumnos. Y en caso de que queramos un final feliz, simplemente hay que ser Barbra Streisand.

PUBLICADO EN LA REVISTA "VERSIÓN ORIGINAL" DE DICIEMBRE 2009, DEDICADO A LOS PROFESORES EN EL CINE

"En la cama" (2005)

2009-12-08T20:26:00.000+01:00

"En la cama" (Matías Bize. Chile, Alemania. 2005) nos demuestra que es viable sostener un guión con dos personajes durante casi 1 hora y media, sin que ello implique un desgaste significativo del ritmo o del interés que pueden despertar sus protagonistas. Además, la cama como escenario da juego a una suerte innumerable de posturas y dinámicas que, con sexo o sin él, permiten asomarnos un poco a las vidas de Daniela (Blanca Lewin) y Bruno (Gonzalo Valenzuela), dos casi desconocidos que acaban la noche en un motel dando rienda suelta a una pasión que dejará huella.

La película es sexual sin ser explícita; es humana sin caer en la sensiblería; es real con muchos tintes de fantasía. Tiene algo de desparpajo y es, a la vez, muy pacata, siempre como juego de la dualidad de sus personajes: son tan abiertos y desenfadados en lo físico, pero muy cuidadosos y reservados en lo que concierne a sus sentimientos. Quizás un poco como todos, que muchas veces damos una imagen de absoluta seguridad, cuando por dentro no dejamos de temblar de miedo y desesperación frente a aquello que nos aterroriza. Además, muchas relaciones humanas son así: superficiales y químicas, más que profundas y complejas.

Lewin y Valenzuela, dos actores curtidos principalmente en televisión, pero con presencia también en teatro, se complementan perfectamente y hacen de su "relación" algo creíble, cuando no resulta tarea fácil jugar con los mínimos elementos de atrezo y darle consistencia a un entorno casi desnudo.

Si bien el guión está bien hecho y los diálogos son muy cotidianos, a ratos suena cursi y pierde una frescura que la podría haber convertido en la hermana "desinhibida" de "Antes del amanecer" (Richard Linklater, 1995), guardando las distancias.

Creo que Bize tiene una buena mano para contar historias. Ayer, de hecho, también vi uno de sus cortos ("Llamando", 2005, con una magnífica Elena Corredera), que resultó ser una grata sorpresa. Pero quizás le faltó un poco más de atrevimiento, de llegar un poco más adentro de sus personajes. De todas formas, es una buena razón para convencerse de las buenas ideas que se están contando en la parte baja de Sudamérica.

"Jennifer's body" (2009)

2009-12-06T18:34:00.002+01:00

No tenía ninguna expectativa sobre esta película más allá de saber qué haría la guionista Diablo Cody después de la encantadora "Juno" (2007) y de la genial serie de televisión "United States of Tara" (2009). Un film de "terror adolescente" -aunque no al uso-, una Megan Fox más llamativa que talentosa y un argumento que, si bien prometía originalidad en el planteamiento, no me terminaba de convencer.

¿El resultado? Me he quedado convencido: Diablo Cody tiene cosas que contar y lo hace de una manera desenfadada, graciosa y con mucha ironía, quizás es la seguridad que da el haber vuelto de un lugar poco agradable y haber triunfado.

Jennifer (Fox) que da título a la cinta, es una jovencita erotizada y conciente de sus armas, que va por la vida arrasando con su belleza, acompañada de su fiel y desmejorada amiga Needy (Amanda Seyfried, la rubia hija de Meryl Streep en "Mamma mia!"), hasta que se desata la tragedia: Jennifer es sacrificada en un ritual satánico por un grupo de rock, pensando que la víctima era virgen. Craso error, porque la post-adolescente experimentada se convertirá en un demonio sediento de sangre.

Bien contada y estructurada, y sin pretender convertirse en un referente del cine de terror o de las sagas adolescentes o de la tan manoseada moda zombie, la película dirigida por Karyn Kusama (Aeon Flux, 2005) se transforma en una bocanada de aire fresco, en una versión muy hormonada y MTV de Carrie, que no deja mal sabor de boca.

Mucho humor del negro, un par de protagonistas explosivas y un rato de entretenimiento a veces son una buena excusa para pasar algo menos de dos horas frente a la pantalla, más aún cuando las sorpresas se suceden una tras otra. Y todavía más cuando vemos que hay alguien capaz de romper algunos esquemas muy típicos del cine americano. Diablo Cody, sigues teniendo mi voto de confianza, pero todavía puedes sorprenderme mucho más.

"Un lugar donde quedarse" (2009)

2009-12-06T18:10:00.001+01:00

Sam Mendes, director de American Beauty y Revolutionary Road, sigue la línea de estas dos películas en su viaje hacia un Estados Unidos profundo, frágil, lleno de dudas, en el terreno que quizás más flaquea: la familia, el individuo y la paz con uno mismo.

Si en American Beauty todo parecía forzado, a ratos evidentemente ridículo y fuera de lugar, en Revolutionary Road todo era más pausado, más preciso, más consistente y mucho más crítico, pero sin caer en la vana provocación de una cinta sobrevalorada, pero que dio sustento suficiente al director para continuar con esa búsqueda iniciada. Pero en "Un lugar donde quedarse" (Away we go, 2009), Mendes se libera de toda la carga dramática excesiva, de las tensiones, de las palabras ahogadas y se lanza de lleno a un guión lleno de guiños a lo cotidiano, a lo más cercano, a aquellos lugares en los que todos hemos estado alguna vez.

Verona (Maya Rudolph) y Burt (John Krasinski) son una tierna pareja, a punto de estrenarse como padres, que busca su lugar en el mundo para la nueva etapa que se les presenta. Si bien su viaje se convierte más en una investigación antropológica de las tendencias actuales: los padres liberados, los "no contaminados", los asumidos/felices y las familias rotas, terminan por descubrir que su lugar en el mundo es aquel en el que se sienten cómodos y donde estén dispuestos a echar raíces o a recupar las que habían perdido.

Trabajada sobre diálogos simples, imágenes de postal y con un ritmo adecuado para paladearla cuidadosamente, Mendes sorprende por varias cosas: tiene una forma muy particular de contar las historias y sus motivaciones son muy evidentes, pero muchas veces falla en la falta de "chispa" (por decirlo de alguna forma), porque no traspasa la formalidad en ninguno de sus trabajos, es totalmente parco y sobrio. No creo que eso sea malo, pero siempre hay que estar dispuestos a correr pequeños riesgos, más aún si se tiene la reputación del director.

Muy buena química entre la pareja protagonista y un reparto de secundarios muy conocidos: Catherine O'Hara (la madre de Macaulay Culkin en "Solo en casa"), Jeff Daniels, Allison Janney (vista en "The west wing", "Hairspray" o "Juno"), Maggie Gyllenhaal y Chris Messina.

Tierna, con tintes cómicos y una pausa que sólo da la madurez, "Un lugar donde quedarse" es una gran ocasión para dejarse conquistar por la sencillez y el talento de las películas alejadas de los grandes escenarios y de los efectos especiales, con un Sam Mendes que cada vez huele más a "indie".

"Mi vida en ruinas" (2009)

2009-12-06T14:15:00.000+01:00

Originalmente pensada como una secuela de "Mi gran boda griega" (My big fat greek wedding, 2002) según los comentarios que circulaban en la prensa y en Internet hace algunos años, "Mi vida en ruinas" (My life in ruins, 2009) se separa de su referente en pequeños detalles, pero bebe de aquellos frescos detalles que la convirtieron en una delicia cómica inofensiva, aunque sin la sorpresa ni su encanto natural.

Con esto no digo que la nueva película de Nia Vardalos no tenga su propio encanto, pero se nota que sus manos no pasaron por un guión plagados de clichés ya vistos, de gags muy esperados y de unos arquetipos manoseados hasta la saciedad en las comedias modernas.

La historia nos lleva a Grecia, donde Georgia (Vardalos) es una aburrida e insatisfecha guía turística. Pero nada más comenzar su andadura, ya se sabe por dónde van los tiros. Al menos eso me pasó a mí, más acostumbrado a este género. Desde ahí y gracias a un variopinto grupo de personajes, las cosas dejarán de ser tan malas, el amor ocupará el lugar que debe tener y final feliz edulcorado y asegurado.

Muchos guiños a las "típicas costumbres griegas" vistas desde fuera, que más que graciosas a veces resultan ridículas e imagino que hasta ofensivas. Pero no importa, el cine americano se puede tomar esas licencias sin ningún miramiento. Incluso, con algo de ingeniudad, parece reírse de su propia gente, aunque sólo sea un poco.

En el reparto, además de Richard Dreyfuss y Rita Wilson, encontramos a María Adánez y a María Botto y a una larga lista de rostros familiares en la televisión española: María Ripalda, Nacho Pérez, José Sacristán o María José Goyanes.

Simpática, demasiado liviana quizás, pero con una protagonista que, a mi gusto, tiene mucho ángel desaprovechado. "Mi vida en ruinas" es, además, una excelente postal de las vacaciones que todos queremos tener en Grecia, más aún, en medio de este frío otoñal que nos acompaña.

Wall.E: La condición humana y la ecuación del romance

2009-11-23T22:37:00.001+01:00

Ciertamente se ha dicho todo, o casi, sobre Wall.E (2008) desde su estreno el verano pasado. Sin embargo, no hay mejor ejercicio crítico que detenerse en las obras de arte, para ser capaces de observarlas hasta haber conseguido, al menos, vislumbrar parte de su grandeza.

La cinta animada de Pixar, quizás una de las más llamativas en cuanto a la calidad y tratamiento de las imágenes, será recordada por muchas cosas, como pueden ser los primeros 30 minutos de metraje, producidos con un nivel de maestría tal, que más de uno dudamos de si no nos habíamos equivocado de sala y estábamos viendo escenas reales de un planeta Tierra, desolado y descolorido. Además, prácticamente sin diálogos, algo impensable en una industria que se caracteriza por cuidar hasta el detalle más ínfimo para que todo sea un potencial producto. Y qué decir, que no sepamos ya, del sonido, de la cuidada producción o de sus muchas posibles lecturas –pese a que su director afirma fehacientemente que nunca pensó en los subtextos del guión-.

No obstante, el mayor logro de Wall.E radica en que, en cuanto a la imaginería robótica a la que estábamos acostumbrados, marca un antes y un después en la creación, en la emotividad, en la humanidad y en la simpleza, extensible a todo el proceso productivo.

Claro heredero de su símil en Cortocircuito (Short Circuit, 1986) y con cierto aroma a los “monstruos” o seres no humanos que ya hemos visto en otras producciones infantiles, nuestro robot no es más que una pequeña caja con unos prismáticos por ojos. No requiere de alta tecnología ni de mecánicas extensiones para convertirse en protagonista. Incluso su pareja en la ficción, Eva –quintaesencia de la técnica avanzada-, tiene unas líneas tan simples, que la llegamos a considerar una más de los no evolucionados, otra entre los “defectuosos” que ponen en peligro la apatía y la ignorancia humana, logrando su cometido sin efectismos ni artificios.

Me aventuro a creer que en la génesis de esta cinta se pensó en estructurar la producción global alrededor de la máxima consigna de la elegancia: “menos es más”. No hay sobrecarga de personajes (prácticamente conocemos los nombres de los protagonistas y alguno más), los logrados escenarios son tan reales como escasos (la tierra polvorienta, el infinito espacio y el crucero espacial), y no nos incitan al hastío con demenciales canciones, imposibles coreografías o inútiles minutos de acción pixelada.

Pero lo que más agradecemos es que no nos agotan con las profundas teorías revisionistas de la relación entre el hombre y la máquina, o las ideas conspiracionistas sobre quién controlaría el mundo en los próximos siglos; o, simplemente, con las traumáticas experiencias de robots demasiado humanos (y viceversa).

No puedo dejar de pensar, automáticamente, en otros famosos androides o robots de la historia del Séptimo Arte: C3PO, los mismos protagonistas de la película Robots (2005), incluso el personaje de Robocop. Todos ellos, pese a sus profundas diferencias, tenían mucho de humanos en la forma, en la comunicación a través de un lenguaje definido, en ciertas muestras de emotividad o reacciones ante determinados estímulos. Incluso los ordenadores cobraban vida propia, se les humanizaba en lo bueno o en lo malo.

Sin embargo, Wall.E es diferente. Y no lo digo con la intención de deshumanizarlo, que creo que sería un crimen; sino porque, desde su propia esencia robótica, se le ha dado un toque de condición humana que va mucho más allá de algo estético. En lo físico, es tan simple y básico, que es imposible asociarlo a un individuo de carne y hueso. Pero en lo emocional es casi tanto o más complejo que cualquiera de nosotros.

Ya no es una mera caricatura de un hombre y su mundo interior, si no que es todo un entramado de sensibilidad, de fragilidad, de fortaleza, de amor y de valentía como el cine jamás había visto. Tanto es así, que la historia de amor entre Wall.E y Eva es tan creíble como necesaria. Es amor puro, concreto, casi como el de cualquier comedia romántica de final feliz. Aventurándome un poco más, quizás hasta todo el resto de la trama pasa a un total segundo o tercer plano, fulminado por la carga emocional.

Cada vez que ellos se cogen de la mano o se miran con esos ojos aparentemente inexpresivos, el corazón del público se reconforta, se sobrecoge. ¿Por qué nos emocionamos ante dos máquinas nacidas de un mísero píxel? Pues porque no lo son. Han dejado de ser artilugios de la técnica para convertirse en parte de una realidad cinematográfica, más allá de un microchip.

La pareja repite unos arquetipos que ya hemos visto demasiadas veces, pero que hasta hoy, nos siguen conmoviendo: la guapa sofisticada y el bruto algo más simple. En Disney, sin ir más lejos, hay dos muestras emblemáticas: La bella y la bestia (Beauty and the beast, 1993), y La dama y el vagabundo (Lady and the tramp, 1955). Pero la historia del cine está llena de ejemplos similares. Y la fórmula sigue funcionando porque es como la vida misma. Más allá de tendencias de moda y de cuidados corporales, la ecuación en el amor sigue inalterable y el resultado siempre será positivo si, pese a los factores que atentan contra el romance, el final es feliz. Y Wall.E nos regala uno de antología.

Amores aparte, lo que no es discutible es que la película de la factoría Disney-Pixar –sin olvidar que nos recuerda más a esta última que a la compañía del tío Walt-, se ha convertido en un punto de inflexión para todo lo que vendrá en el futuro. Nunca el cine de animación había sido más adulto –pese a una simpleza e inocencia tan infantil- y nunca será el mismo después de esta ¿inhumana? historia de amor.

(Artículo publicado en la revista "Versión Original" - Septiembre 2009)

"La clase" (2008)

2009-11-22T22:20:00.001+01:00

No se me ocurre otro apelativo para comenzar a comentar esta película: honesta. Me parece que derrocha honestidad en la realidad, en la puesta en escena, en los personajes -tan reconocibles y arquetípicos-; en los diálogos y en la tensión alumno-profesor, profesor-profesor, profesor-director, padres-alumnos, etc.

"Entre les murs", título original del libro escrito por François Bégaudeau, quien también participaría como coautor del guión cinematográfico y protagonista de su propia novela, nos lleva a una escuela francesa -que prácticamente se convierte en escenario único- donde las cosas no son fáciles: hay mucha inmigración, pocos recursos y demasiadas hormonas en juego para que no surjan los problemas en todos los niveles. Se centra en la clase de lengua del profesor Marin, donde seremos testigos de las pulsiones más naturales del ser humano: la defensa propia y la de las causas perdidas; la vergüenza, la incomprensión, el desafío, la rebeldía, la envidia, la ira y el perdón.

La película no pretende justificar ni a las "víctimas" ni a los "victimarios" (dependiendo de quién lo vea, podrán ser los alumnos o los profesores, o ambos como víctimas de un sistema desigual), sino que relatar la vida "entre los muros" de una escuela con una sencillez y una honestidad como sólo Cantet podría hacerlo, tal como nos mostró en "Recursos humanos" hace ya una década. Ninguno de los personajes es del todo bueno o definitavemente perverso, sino que cada uno de ellos es un abanico de matices tan natural como la vida cotidiana.

Filmada con delicadeza, pero inevitablemente cruda e intensa, "La clase" estuvo nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera, se llevó la Palma de Oro en Cannes y recogió varios premios internacionales. Méritos tiene de sobra, ya que deja de lado la imagen del perfecto maestro y nos muestra las imperfecciones de un sistema educativo en todos los niveles, donde docentes y estudiantes se sienten, muchas veces, desvalidos e incomprendidos. Un film que hace falta ver para comprenderlo desde dentro.

"Si la cosa funciona" (2009)

2009-11-21T22:07:00.002+01:00

Debo reconocer que me ha gustado mucho la última película de Woody Allen, "Whatever works" y su regreso a un Nueva York muy luminoso y acogedor, lejos de la sombra, la niebla y la oscuridad de algunos de sus relatos anteriores en esa ciudad.

Además de un guión perfectamente reconocible como suyo, el director de "Vicky Cristina Barcelona" le hereda al protagonista mucha de su incontinencia verbal, nerviosismo y visión del mundo. Larry David -productor de "Seinfeld" y de la serie "Curb your enthusiasm"- se convierte en el brillante Boris Yellnikoff, un científico con escasa destreza social y muchas opiniones acerca de todo lo que le rodea, siempre con un aire de superioridad. Así comienza su relación con Melodie, una chica "de pueblo" extremadamente simplona que provocará una serie de cambios en su vida, familia incluida.

La película es graciosa, a ratos entrañable, con muchas "lecciones" sobre lo que nos rodea, los prejuicios, las creencias, la fe ciega, el amor y las relaciones humanas. Todo ello disfrazado de comedia, cargada de ironía y con mucho humor negro, todo muy habitual en el cine de Woody Allen.

Brillante Patricia Clarkson como la madre de Melodie, genial Evan Rachel Wood ("Across the universe" o "The Wrestler", junto a Mickey Rourke); magnífico Larry David y un reparto muy logrado en general. La banda sonora está ajustada y precisa, como es habitual en casi todas las cintas de Woody Allen (menos la de "Vicky Cristina Barcelona" que me resultó cansina) y un director con muchas cosas que decir aún, sea cual sea la ciudad en la que ruede.

Si bien no es su mejor guión ni la película más deslumbrante -como sí ha ocurrido hace pocos años con "Match Point"- "Si la cosa funciona" es un punto alto en las comedias de Allen, en la trayectoria que ha escrito en los últimos 10 años y, claramente, una de las más autoreferentes que me haya tocado ver.

"Julie & Julia" (2009)

2009-11-08T21:02:00.000+01:00

La última película de Nora Ephron es casi tan dulcemente empalagosa como su filmografía (Tienes un e-mail o Sleepless in Seattle), pero eso no la hace menos encantadora y entrañable. En ella, nos cuenta una historia a dos voces sobre la vida de mujeres que renacieron gracias al arte culinario.

Julia Child se hizo famosa en Estados Unidos por su libro "Mastering the art of french cooking", nacido entre los fogones de Paris, Marsella y Oslo, después de estudiar en la famosa escuela "Cordon Bleu" de la capital gala y de especializarse con otros destacados chefs de la época. Por otra parte, Julie Powell se aventura en el Nueva York post 11-S a repetir todas y cada una de las recetas del libro de Child en un plazo de 365 días, mientras escribía su experiencia en un blog (que todavía se puede encontrar en Internet como The Julie/Julia Project)

Ephron nos ofrece en paralelo la historia de estas dos mujeres y, entre recetas, ingredientes y patos deshuesados, nos revela el pasado y presente de ambas, sin que ambas jamás lleguen a encontrarse más allá de la imaginación de Powell, mostrándonos también el entorno de ambas en sus distintas épocas y la razón por la que se convirtieron en "heroínas" para muchos seguidores.

Interpretadas por Meryl Streep (Julia) y Amy Adams (Julie) -que vuelven a coincidir después de La duda (Doubt)-, la primera hace una magistral interpretación, adquiriendo un tono de voz y un fraseo muy cercanos a la original (se pueden buscar vídeos en Youtube para confirmarlo) y seguro que le traerá nuevos reconocimientos a su carrera. Adams, en tanto, sigue confirmando que es una de las "nuevas" actrices con mayor proyección. Habrá que ver cómo desarrolla ese talento y cómo lo utiliza, porque todavía carece de la madera absoluta para ser considerada una de las grandes.

Correctamente filmada, tradicional y predecible, pero no menos sabrosa y tierna, "Julie & Julia" es entretenimiento sano y sencillo. No hay que buscar segundas intenciones ni rompedoras tendencias, simplemente porque no es lo que la directora pretende ni ha pretendido nunca. Fiel a su estilo, nos ofrece una de esas cintas que nos gustan e incluso repetimos, simplemente por no buscar ser nada más de lo que es.

Bellas imágenes de Paris (una ciudad soñada), una banda sonora de Alexandre Desplat muy normal y no especialmente llamativa, y un puñado de actores secundarios de calidad, como Stanley Tucci (sigo esperando que tenga más protagonismo) y Chris Messina. Especial para un domingo por la tarde.

¡Vivan los cortos!

2009-10-28T17:36:00.000+01:00

Hoy he visto dos maravillosos, interesantes, impactantes cortometrajes. Los dos de Eduardo Chapero-Jackson. Los dos me dejaron con la boca abierta.

"Contracuerpo"
(http://www.vimeo.com/5317432), una historia dura, con una fuerte crítica a una sociedad enferma, a un culto equivocado a la imagen y a cosas que realmente no importan. Tanto así, que son capaces de arrastrar hasta la profundidad del abismo a sus víctimas.

"Alumbramiento"

(http://www.lstudio.com/films-on-l/lightborne-by-e-chaperojackson.html), tiene una trama complicada, con un tema muy discutido y discutible, pero filmado con una delicadeza que te hace pensar en muchas cosas por segunda vez o al menos, te genera alguna duda al respecto.

Muy bien pensados, actuados y dirigidos. Estoy a la espera impaciente del tercero, que se llama "The end".

Cada día creo que el corto tiene mucho más que decir que los largometrajes.

¡Hay que verlos!

"500 días juntos" (2009)

2009-10-26T00:32:00.001+01:00

Hoy he disfrutado mucho viendo "500 días juntos" (500 days of Summer), una comedia con mucha chispa, cabeza y corazón. Dirigida por el poco conocido Marc Webb, la cinta nos sumerge en una atípica relación de pareja en la que Tom Hansen (Joseph Gordon-Levitt, visto en "Cosas de marcianos" en televisión y en "G.I. Joe" en el cine) se enamora de Summer Finn (Zooey Deschanel, aparecida en "El incidente" de Shyamalan), amor que ella no corresponde de la forma esperada.

Construida a base de saltos en el tiempo sin perder al espectador en ningún momento, la entrañable comedia pasa por el drama suave, el desamor, el reencuentro y la tragedia, retratando con vivacidad y encanto las distintas etapas del amor, desde la conquista hasta la ruptura, aunque se autodefina como una historia no romántica.

Bien actuada (una pareja con excelente química y muy creible), dirigida y con una forma de contar la historia muy inteligente -mención especial requiere la escena de "Lo esperado" y "Lo real", contada en medias pantallas-, "500 días juntos" ha sido una de las sensaciones independientes del año, generando gran revuelo en todas sus presentaciones, pese a lo cual no se ha llevado ningún premio a casa.

Su banda sonora, muy poco arriesgada, borda cuidadosamente los hilos de la trama, sin caer en excesos. Punto aparte merece también la escena "musical", muy en la línea de Woody Allen en "Everyone says I love you", donde más bien se ríe un poco de sí misma como película pero sin dejar de transmitir con mucho acierto la sensación del protagonista después de la consumación del amor.

Ligera y profunda, entrañable y adorable. No es un magnífico ejercicio de técnica, pero sí un buen trabajo conseguido con pocos recursos y grandes ideas. Para disfrutarla sin complejos ni filosofías.

"El último McGuffin"

2009-10-18T22:32:00.000+02:00

Definición de McGuffin (Wikipedia): "Excusa argumental que motiva a los personajes y al desarrollo de una historia, y que en realidad carece de relevancia por sí misma".

Así no dice mucho, pero si hablamos del "Ciudadano Kane" tenemos al que ha sido considerado el mayor McGuffin de la historia: Rosebud. La película juega a descubrir el significado de esa palabra durante todo el metraje, para que al final se descubra que no tenía ninguna importancia. O en la serie "Mad about you", juegan con que al morir un personaje se le oye decir "Hoo Moos" (o algo así) -juego de palabras reinterpretado a la saciedad como Hummus, Hey Miss!, Homos, etc.-, para descubrir al final que realmente no tenía relevancia, pero que ha provocado una serie de reacciones en el resto de los personajes y en toda la trama del capítulo.

Pero mi mayor McGuffin de este momento es ¿por qué a muchos críticos de cine les ha dado por incluir este concepto en gran parte de sus últimas críticas y ninguno se ha parado a explicar lo que es, cuando puedo asegurar que el gran público además de Mac Gyver o Mac Donald's no ha oído algo similar? ¿Lo han dado gratis con algún curso de crítica o con alguna de las películas que vienen con los periódicos?

Ahí lo dejo. Pero ojo, ese tipo de crítica no es la que queremos. Si la idea es educar, enseñar, transmitir, compartir, pues es hora de comenzar a hacerlo. Queda mucho trabajo por delante, pero lo primero será cambiar el alto ego por vocación de crítico constructivo.

"Frozen river" (2008)

2009-08-28T20:18:00.001+02:00

Hace ya una década o más, que el cine independiente americano nos viene sorprendiendo no sólo con argumentos más originales o películas más crudas que las del circuito de los grandes estudios, sino que lo viene haciendo con su presencia en los grandes premios o en los festivales más importantes.

Ejemplo de ello son "Juno" (2007), "Pequeña Miss Sunshine" (2006) o "Transamerica" (2005), 3 pequeñas joyas independientes que se han colado en las grandes ligas, codeándose con presupuestos que multiplican a los suyos, pero a las que no tienen mucho que envidiar.

Una de las últimas películas que se ha sumado al fenómeno es "Frozen river" (Río helado), que se estrena en España en septiembre. Dirigida y escrita por Courtney Hunt, de la cual sólo tenemos como antecedente el que haya dirigido uno de los episodios de la magnífica serie "In treatment" (En terapia), la cinta nos lleva a un paraje desolador para contarnos cómo es la vida de una perdedora que se niega a perder.

Podríamos decir que Ray Eddy es madre de dos hijos y poco más. Su trabajo no le satisface ni económica ni personalmente. Su pareja se ha ido con el dinero de su futura casa a Atlantic City y la ha dejado hundida, una vez más. Es así como llega a conocer a Lila Littlewolf, una india mohawk que le enseñará la forma de recuperar el sueño de su casa, cueste lo que cueste.

Con muchos matices, la película habla sobre el amor, la amistad, la libertad, la necesidad de sentirse útil y las ganas de cumplir los sueños. Inspirada e inspiradora, ha sido reconocida por la crítica y en festivales tan afamados como el de Sundance donde recibió el Gran Premio del Jurado, demostrando que las historias, por muy locales que sean, se convierten en universales cuando están bien contadas.

Su protagonista, Melissa Leo, ganadora de la Concha de Plata en San Sebastián, también estuvo nominada al Oscar como Mejor Actriz Principal por el papel de Ray Eddy. Decadente, desesperada y al borde de un colapso que llega y no llega, Leo nos regala una interpretación muy lograda y que la pone en el panorama de las ligas mayores. Talentos como ese no deberían ser desperdiciados. Su curriculum reciente y futuro lo avalan: la veremos con Robert de Niro, Drew Barrymore, Kristen Stewart, Christian Bale y América Ferrera, entre muchos otros.

Sin llegar a ser un peliculón ni una joya, "Frozen river" se sostiene en la asombrosa intensidad que tanto el entorno como la actriz protagonista con capaces de imprimirle a la historia. Hace tiempo que un dolor así no tenía cara de mujer en el cine. La desolación no sólo se encuentra en las guerras o en las reconstrucciones, sino en una situación tan cotidiana como no tener dinero para alimentar a tu familia y estar dispuesto a dejar todo para conseguirlo.

"Por fin viuda" (2007)

2009-08-25T11:33:00.000+02:00

Cada día me gusta más la comedia francesa. No sé si me repito demasiado con esto, pero es que la forma en que abordan los conflictos más cotidianos para llevarlos a extremos insospechados y sacarnos risas cómplices, es única en su especie.

La directora Isabelle Mergault, a la que conocimos con "Eres muy guapo" (Je vous trouve très beau), nos vuelve a deleitar con una pequeña comedia: "Por fin viuda" (Enfin veuve) donde nos cuenta una surrealista historia familiar.

Anne-Marie Gratigny (la estupenda Michèle Laroque) quiere irse con su amante, pero no es capaz de enfrentarse a su marido. Éste, afortunadamente para ella, se muere en un accidente y le deja el camino libre para rehacer su vida. Sin embargo, no contaba con la llegada de sus familiares y de su hijo, quienes la obligarán a vivir su duelo de una forma muy especial.

Muy sencilla y totalmente predecible, pero encantadora y graciosa. Con grandes momentos cómicos, algunos emotivos y, sobre todo, mucho talento de su protagonista femenina, el film nos muestra parte de nosotros mismos ante la cobardía de enfrentar las decisiones, ante las mentiras que crecen como una bola de nieve y ante los propios sentimientos.

¿Cuándo aprenderán los pseudo-cómicos que no es necesaria la fórmula caca-culo-teta para hacer reír al público? Cada día me convenzo más de que la gracia está en la sutileza y en el saber reflejar lo habitual desde un absurdo cotidiano. Y en eso, Mergault, tiene un apabullante éxito.

"Coraline" (2009)

2009-08-25T11:18:00.000+02:00

El antiguamente llamado "cine para niños" ha alcanzado la madurez de forma paulatina, para convertirse en un adulto de gran calidad en los últimos años. Así lo demuestra la industria a nivel global con títulos como "El viaje de Chihiro", las últimas de Pixar, "Persépolis" o alguna de las joyas de Disney.

En apariencia, su público es infantil. Pero, en el fondo, su objetivo es más amplio. No sólo busca entretener, sino seducir a grandes y pequeños con una historia tan superficial como profunda. Y es el caso de "Los mundos de Coraline" (Coraline) de Henry Selick, el creador de otra joya: "Pesadilla antes de Navidad" (Nightmare before Christmas), de la mano de Tim Burton.

La habían tachado de terrorífica y de demasiado oscura para los niños. Creo que es una exageración, aunque claramente su sombra es mucho mayor y más evidente que en otros dramas infantiles.

La historia nos cuenta como Coraline se muda junto a sus padres a una extraña casa en la que descubre, además de algunos raros vecinos, que hay una pequeña puerta que la transporta a una realidad paralela donde todo es mucho mejor. Pero como sabemos, el placer infinito no existe y resultará mucho peor que su verdadero mundo.

Brujas malas, mucho colorido y algunos momentos de tensión para sazonar una cinta hecha con la técnica del stop-motion (una técnica utilizada en el mundo de la animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos a través de múltiples fotografías) y que es una verdadera joya en su puesta en escena, en el trabajo que hay detrás, en la música y en la realización en general.

"Hijos de los hombres" (2006)

2009-08-19T00:50:00.000+02:00

Basada en una novela de P.D. James y llevada a la pantalla por Alfonso Cuarón ("Y tu mamá también", "Harry Potter y el prisionero de Azkaban"), "Hijos de los hombres" (Children of men) es una película inquietante, redonda y construida al detalle.

Para no perderme en los muchos vericuetos de la trama, simplificaré al máximo su premisa: hace 18 años que no nace ningún niño en el planeta, en el que además se vive una situación de guerrilla a gran escala. Desde este punto de partida y con una desoladora visión de nuestro futuro cercano, Cuarón nos sumerge en todas las posibles salidas a una realidad así.

Tenemos a un hombre corriente reconvertido en héroe, que vive en una sociedad individualista y desconfiada, gobernada a base del terror y la represión, donde el miedo es un compañero inevitable. Pero siempre hay una luz de esperanza y demostramos la equivocación de los más alarmistas: el ser humano no es tan malo como lo pintan. En medio del caos, aún puede haber algo de orden.

Como eje principal de la historia encontramos a Clive Owen ("Closer"), rodeado de Julianne Moore, Michael Caine y Chiwetel Ejiofor ("Amistad", "Melinda and Melinda") y formando un entramado de personajes muy equilibrado, sin sobresaltos. De la misma forma, la trama se desarrolla de forma pausada, precisa, ccon un comienzo que dispara la adrenalina y acabando en un oasis de tranquilidad, después de habernos llevado por un campo de batalla sin remilgos.

Con una estructura argumental que da pie a muchas discusiones y a un serio debate sobre el futuro, Cuarón nos entrega un film, tal como decía al comienzo, redondo. Sin caer en excesivos momentos lacrimógenos ni testoterónicos enfrentamientos, la película es tan fuerte como frágil, tan dura como sensible. El ser humano es como es, humano, sin más. Y no podemos pedir que todos sean héroes ni podemos condenar su comportamiento.

En medio de la desesperanza y la búsqueda de un mundo mejor, se pueden transgredir algunas normas sin que importe demasiado. Por ello, el bien particular cede ante el bien común, y las personas comunes y corrientes pueden transformarse en ejecutores de una causa superior ante la que nunca habían imaginado encontrarse. En este sentido, la cinta también tiene mucho material de discusión acerca de las motivaciones reales, el utilitarismo de las ideas y el verdadero interés detrás de nuestras decisiones.

Recomendable y con excelentes momentos cinematográficos, en especial la última media hora. La decepción: siempre entendí/creí que Julianne Moore -bien donde la pongan- tenía un rol protagónico.

Como dato anecdótico, quizás asusta un poco la referencia a una pandemia de gripe que asoló a la Tierra en 2008 para explicar las motivaciones del personaje de Owen y la situación del planeta en 2027. Espero que nuestro destino sea diferente y que nuestro futuro no dependa solamente del "Mañana".

"Irma la dulce" (1963)

2009-08-19T00:23:00.000+02:00

Repitiendo a la pareja protagónica de "El Apartamento", Billy Wilder consiguió una de las películas más recordadas y divertidas de la década de los 60: "Irma la Dulce" (Irma la Douce) que, sin embargo, hoy en día también suena a historia de enredos más bien conocida.

No quiero quitarle carácter ni menos talento a este trabajo de Jack Lemmon y Shirley MacLaine (en la foto), porque es una película que se apoya bien en sus protagonistas y les saca bastante partido a sus dotes actorales, gracias a un guión muy cuidado en los diálogos y con un final interesante, por decirlo de alguna forma.

Y como ocurre con gran parte de la producción que vino después, muchos bebieron de ella, de su chispa y frescura. Por eso suena tan manida y actualmente pierde gran parte de su tono, de su audacia. Pero Wilder, con su talento natural, saca provecho de una historia bastante absurda, para convencernos de que todo lo que ocurre es posible. Y MacLaine está inolvidable como prostituta.

En el último tiempo, estoy encontrando muchas películas a las que les sobra algo de metraje. Y con ésta me ha pasado lo mismo. Quizás da demasiadas vueltas para llegar al lugar al que nos lleva. Un lugar, en todo caso, agradable y al que le acompañamos con muchas sonrisas y algunas carcajadas.

Una vez que vea "El apartamento", que se filmó 3 años antes que esta cinta, podré decir si el blanco ménage à trois de Wilder-Lemmon-MacLaine estaba mejor en una u otra. Las comparaciones son odiosas, pero en este caso es algo necesario.

Ojo a la aparición de Bill Bixby, que se convertiría años más tarde en el doctor Bruce Banner de "El increíble Hulk" en la televisión, como un tatuado marinero.

"Sucedió una noche" (1934)

2009-08-17T19:05:00.000+02:00

"Sucedió una noche" (It happened one night) fue uno de los éxitos de mediados de los años 30 del pasado siglo, dirigido por Frank Capra (en lo que sería su primer gran éxito) y protagonizado por una singular pareja: Claudette Colbert y Clark Gable.

La historia, fuente de inspiración para muchas comedias románticas futuras, nos lleva a un largo viaje desde Miami a Nueva York en compañía de una mimada y rebelde heredera (Colbert), acompañada de un desvergonzado periodista (Gable). Lo que un comienzo no son más que diferencias, obviamente terminan transformándose en un apasionado amor. Siento contar el final, pero tampoco había que echarle mucha imaginación.

Previsible y entrañable a la vez, en el film somos testigos de la inmoralidad de los juicios previos y de como el abismo que separa las vidas de Ellie y Peter, desaparece por completo cuando ambos salen de sus respectivos mundos. Si nos paramos en medio de su época, podremos ver lo que significó esta película: por un lado, vemos a una mujer que es mucho más que un adorno y que es capaz de dar la talla frente a los hombres (tendencia que se marcaría cada vez más en los siguientes años); tenemos a una pareja protagónica de primer nivel y, por último, una historia de amor destinada a pasar a la inmortalidad, aunque hoy nos parezca demasiado remilgada e inocente.

Al menos la copia en DVD que tengo en mis manos, tiene algunos problemas de edición (por lo visto fue "retocada" a finales de los años 60) pero no le quita valor a su contenido. Premiada como Mejor Película, Director, Actor, Actriz y Guión Adaptado, "Sucedió una noche" es uno de esos clásicos que nos dejó la época dorada de Hollywood y que siempre estaremos dispuestos a visitar.

"Brüno" (2009)

2009-08-17T01:07:00.001+02:00

"Erotismo es ver la pluma; pornografía, la gallina completa". Vuelvo a citar a Isabel Allende en su libro "Afrodita" porque será el eje fundamental de esta reseña. Así, "Brüno", la última película protagonizada y milimétricamente pensada por Sacha Baron Cohen (el Borat de hace un par de años) es, por lo tanto, porno del duro.

En resumidas cuentas, la historia nos presenta a Brüno, un periodista austriaco y gay que, caído en desgracia, se muda a Estados Unidos para reconquistar la fama. En su camino, hará todo lo que esté a su alcance para conseguir su objetivo. Y nunca mejor dicho: todo lo que esté a su alcance.

La que podría haber sido una comedia muy políticamente incorrecta y muy sesuda, se ha convertido en un espectáculo de excesos: sobran minutos, sobran algunos innecesarios momentos para extender el metraje y por sobre todo, hay un exceso de autosatisfacción, casi una práctica de onanismo del creador de la sátira. El problema es que se gusta demasiado.

Una de las primeras reglas de la comedia que funciona es no creerse divertido, sino serlo. Baron Cohen lo es, pero cuando cae en los extremos de la estupidez -y a ratos en la grosería, en el mal gusto, en la falta de respeto- pierde toda su frescura y originalidad.

Geniales son los momentos iniciales en el desfile de Agatha Ruiz de la Prada y después las entrevistas con los padres de "pequeñas estrellas" -aún me sorprendo de la falta de cordura y límites de ellos-, pero en otras pasa por encima del buen gusto y más que carcajadas de complicidad, lo que provoca es una risa nerviosa o incómoda.

Baron Cohen se ha convertido en algo así como el Michael Moore de la comedia, tocando los puntos más débiles de la doble moral americana y de su idiosincrasia. No obstante, su cometido pierde completamente el norte en un producto que, según creo, se le ha ido completamente de las manos, cayendo en un humor burdo, barato y olvidable.

No encontré la comedia irreverente que esperaba, sino un film bastante más vacío de lo que creía. Quizás sea la película más sobrevalorada en lo que va del año e inscribirla en lo que se conoce como la nueva comedia americana -en la que tenemos el toque Apatow y buenas comedias como "Superbad"- me parece un ejercicio de marketing condescendiente para una cinta indudablemente menor.

"Up" (2009)

2009-08-15T18:38:00.000+02:00

La última aventura fílmica de la factoría Pixar es una maravilla visual, más allá de toda imaginación. Si ya nos habían deslumbrado con "Wall.E" y sus acabadas texturas, el colorido de "Up" es infinitamente mejor y la calidad de sus diseños, supera lo establecido, alcanzando niveles de realismo que ni la propia realidad es capaz de igualar.

Pero no todo es imagen, porque tras una fachada perfectamente pixelada, la historia desborda humanidad desde el principio hasta el final. Es una película de aventuras, pero que no deja de lado el entorno emocional de los personajes ni las motivaciones que los llevan a formar parte de esta larga travesía.

Carl Fredricksen (cuya voz pertenece a Ed Asner, importante figura televisiva en EE.UU.), tras la muerte de su mujer y acosado por sus "vecinos", decide emprender el viaje de su vida. Llena su casa de globos y se eleva al cielo con casa y todo. Pero no está sólo y, al poco andar (¿volar?) descubre a Russell, un niño explorador que se convertirá en un espontáneo acompañante.

El guión tiene algunas pequeñas lagunas, quizás más de las que habíamos visto antes en las películas de Pixar, pero esos baches se perdonan ante la impecable realización y ante la madurez alcanzada por el cine de animación digital. Además, se agradece que las películas llamadas "infantiles" sean cada vez un producto más adulto, más completo. Como siempre, las lecturas que se pueden hacer de una inocente historia de aventuras son innumerables, porque ella esconde importantes referencias a las familias, al amor, a la vida, a la amistad y a muchos otros valores.

Con una serie de referencias a otras películas o programas de televisión, "Up" se ha encumbrado a lo más alto del cine animado. Y la secuencia que nos explica la vida de Carl en los primeros minutos del film, debe ser una de las más bellas y bien contadas de la historia del cine, reafirmando aquella manida frase: "una imagen vale más que mil palabras". Imposible haberlo hecho mejor de otra forma.

Impecable es el corto que acompaña a "Up", titulado "Partly Cloudy" (Parcialmente nublado o Nublado parcial). Entrañable, tierno, con una factura técnica y una imaginación desbordantes. Carcajadas y lágrimas desde el primer momento. ¿Para cuándo la próxima?

"El ladrón de bicicletas" (1948)

2009-08-15T12:25:00.002+02:00

La película de Vittorio de Sica, "El ladrón de bicicletas" (Ladri di biciclette), además de ser un fiel referente de una dura época de la historia reciente, es un ejercicio catártico que lleva a un hombre común a una situación límite en un entorno hostil. Y todo esto filmado con maestría, con mucha sencillez y con total franqueza.

Inscrita dentro del neorrealismo italiano(*), la película se convirtió en uno de los máximos referentes de esta tendencia o lenguaje cinematográfico. Su simpleza exterior oculta una profunda crítica a un sistema que no sabe cómo recuperarse, a una situación insostenible y a una sociedad que no es capaz de abrir las brechas de clase para una reconstrucción más rápida y efectiva.

Filmada en riguroso blanco y negro, con un reducido número de actores y recorriendo la periferia romana de la época, nos cuenta la historia de un hombre que consigue trabajo como colocador de carteles -para lo cual necesariamente debe poseer una bicicleta- y que, en su primer día, es víctima del robo de su medio de transporte. Esto no implica sólo un problema laboral, sino que se relaciona con toda una situación de precariedad, que lo arrastra tanto a él como a su familia.

A partir de ese momento, la realidad de Antonio Ricci (interpretado por Lamberto Maggiorani) se verá amenazada por la desesperación y la búsqueda incesante de su bicicleta, acompañado de su hijo Bruno (Enzo Staiola), proceso durante el cual somos testigos no solamente de las pesquisas, sino de un amplio abanico de emociones y sensaciones en la relación padre-hijo, y en el interior del protagonista. Así, encontramos a un hombre que duda si exponer su integridad y traspasar una convencional línea de acción, o quedarse sumido en la miseria.

Duro relato, magistralmente creado, y completamente universal. Su sombra en la actualidad quizás es mucho más grande de lo que creemos.

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(*) Movimiento surgido en el país peninsular después de la II Guerra Mundial y que se caracterizó por ser bastante crudo, muy simple en su estructura -actores no profesionales en su mayoría, filmaciones al aire libre, entre otras- y con guiones que trataban la reconstrucción económica y social de una nación desolada por los efectos del conflicto bélico, centrándose en las clases menos privilegiadas.

"Ex" (2009)

2009-08-14T12:50:00.001+02:00

Una comedia coral, romántica y ligera nos llega desde Italia precedida de un importante éxito en las taquillas. "Ex" -dirigida por Fausto Brizzi, director y escritor que ha hecho carrera en televisión principalmente- habla de la universalidad del amor, visto a través de las relaciones pasadas y presentes de una serie de variopintos personajes.

Parejas que se separan y que se reencuentran. Fanáticos de la soltería y enamorados enfermizos. Amores que renacen y otros que mueren irremediablemente. No queda fuera ninguna manifestación romántica, aunque se echa en falta algo de originalidad en algunas de ellas que podrían haber dado mucho juego.

Innegable heredera de otras películas como "Love actually" -además de una larga lista de cintas de los últimos 50 años- y algunas comedias de situaciones (sitcoms) como "Friends", la historia se desarrolla paralelamente en Italia, Francia y Nueva Zelanda, reafirmando que su lenguaje no tiene ninguna limitación física y que los celos, el amor o la pasión, no tienen meridianos ni paralelos.

Sus actores, de amplia carrera en el cine y la televisión italiana, entre los que encontramos, por citar algunos, a Claudia Gerini y Alessandro Gassman, se mantienen en un nivel comedido, sin grandes interpretaciones, pero muy adecuados en su papel.

Con momentos de mucho humor, con una buena dosis de drama, una pizca pequeña de tensión y algunas salidas muy predecibles (quizás esta es su mayor debilidad), "Ex" se puede ver sin remordimientos, pero sin grandes expectativas. Podemos decir que entra fácilmente en la categoría de placeres culpables, quizás acompañando a "Mi gran boda griega" o la misma "Love actually".

Y más películas

2009-08-12T19:39:00.003+02:00

Y más películas

Aprovechando lo que queda de vacaciones, esta semana también he tenido mis sesiones de cine:

1. "Pesadilla antes de Navidad", como aperitivo para ver "Los mundos de Coraline". Cine de animación del más alto nivel.

2. "Frozen River", otra película independiente americana de la cual hablaré llegado el momento. Creo que aún tengo que procesarla un poco más.

3. "Dreamgirls", musical inspirado -dicen- en las Supremes de Diana Ross. Entretenimiento ligero con una genial Jennifer Hudson.

4. Repetí "LOL", porque insisto en que la mirada que el cine francés le da a las cosas, tiene un algo especial.

Pendientes tengo: "The Wrestler", "Un cuento de Navidad" con Catherine Deneuve y "Gomorra", la provocación italiana sobre la mafia, que arrasó con varios premios el año pasado. Además de "Por fin viuda", "Camino", "Klute", "Ran", "Descalzos en el parque", "La envidiosa", y un largo etcétera.

Tanto cine por ver aún. Y tanto que escribir sobre él. ¿Alguien me quiere pagar por hacerlo para poder dedicarle todo el tiempo?

"La boda de Rachel" (2008)

2009-08-12T19:03:00.003+02:00

Ha pasado mucho tiempo desde que el director Jonathan Demme nos golpease con "El silencio de los corderos" y "Philadelphia", pero su productividad no ha cesado. Una muestra de ello es la reciente "La boda de Rachel" (Rachel getting married), protagonizada por Rosemarie DeWitt y por Anne Hathaway ("El diablo viste Prada", "Brokeback mountain").

Con la excusa de la boda de su hermana, Kym (Hathaway) sale del centro de rehabilitación donde se encuentra para encontrarse con una familia y un grupo de amigos que le resultan desconocidos. Las tensiones presentes y las heridas pasadas aparecen primero con sutileza, para luego desatarse en una tormenta de emociones, donde cada uno tendrá que cargar con los dolores propios.

La disfuncional familia y la felicidad del momento, son la excusa que Demme propone para sacar a relucir muchas cosas que vemos en lo cotidiano: las palabras dichas y aquellas que no es necesario expresar, el resentimiento y la intención de proteger nuestro entorno cercano, aquel lugar donde pueden convivir lo dulce y lo amargo sin mayores problemas.

Hathaway obtuvo su primera candidatura al Oscar como Actriz Principal por "La boda de Rachel". Y no ha sido exagerado. Nos tenía acostumbrados a un exceso de dulzura y corrección que no aparecen ni por asomo en este personaje. Por el contrario, es capaz de sacar a relucir una oscuridad muy difícil de manejar sin caer en la caricatura, demostrando que tiene muchos más registros por explorar en sus próximos proyectos.

Con una estética y producción más bien independiente, la película se deja ver sin problemas. No fue uno de los grandes estrenos ni una de las favoritas del público, pero Demme demuestra que aún tiene talento para sacar partido de sus actores y que no ha olvidado el oficio que lo puso en el centro de Hollywood hace 15 años.

Por lo demás, creo que se abusa de la música (algo muy común en estos días) y hay un par de escenas francamente editables. Quizás el resultado hubiese sido mejor evitando algunos adornos y dando mayor relevancia a la carga interna de los personajes que, sin dejar de tenerla, deja algunos cabos sueltos.

Ojo a la aparición de Debra Winger, a quien cada vez vemos menos en las pantallas.

"Rojo oriental" (2002)

2009-08-08T23:59:00.001+02:00

Con mucho retraso llega "Rojo oriental" (Satin Rouge), de la directora tunecina Raja Amari, a las pantallas españolas. Tanto es así, que ya ha filmado otras dos cintas después de que se llevara un amplio reconocimiento internacional como realizadora y guionista por esta película.

La trama nos presenta a Lilia, una viuda cuya realidad no es más que una frágil estructura construida alrededor de lo cotidiano, lo terrenal, y cuyo único centro es su hija Salma, una joven en plena edad del despertar de los sentidos. La mujer, no obstante, encontrará una forma de rehacerse a sí misma a través de la danza y vencerá sus propias limitaciones a golpe de caderas.

Protagonizada por la estupenda Hiam Abbass (en la foto, abajo a la derecha) -vista recientemente en "The Visitor" como la madre del inmigrante deportado-, cuya belleza y talento debería llenar las pantallas, mucho más de lo que estamos acostumbrados. El resto del reparto es regular y, en algunos momentos, hasta caricaturesco.

Pese a que fue reconocida en Montreal, Seattle o Torino, la película no es memorable. Sí hay que reconocer el talento de una directora nueva (pese a dos trabajos anteriores), pero a la que le falta mucho oficio. Abusó de las transiciones espacio-temporales con unos "fade out" bastante numerosos, haciéndolos parecer más una excusa que un recurso cinematográfico.

Lo que no es discutible es toda la fuerza y femineidad que surge desde las entrañas de la película: una mujer que es capaz de enfrentarse a sí misma en primer lugar y permitirse llevar una vida condenada por las estrecheces mentales de la sociedad actual. No defiende el arquetipo de la prostituta ni de la arpía, sino simplemente el de una mujer en paz con su cuerpo, con el mundo y con su presente, haciendo una bien construida metáfora a través de la danza del vientre.

Sobra metraje, pero también sobra energía y belleza. Se echa en falta oficio y más talento, pero no se puede negar el buen camino que trazó Amari con esta película. Se agradece el cambio de ritmo, una música muy agradable y por traernos a las pantallas una realidad vigente y poco conocida.

Una semana de película

2009-08-07T12:12:00.001+02:00

Como estoy de vacaciones y Madrid es un horno estos días, me he dedicado a ver películas bajo el abrazo del aire acondicionado, ya sea en el sofá o en la butaca del cine.

Además de la ya comentada "The boat that rocked" (insisto: ¡qué pérdida de recursos!), he visto:

1. "Todos los hombres del rey" (All the king's men) con Sean Penn, Jude Law, Kate Winslet, Patricia Clarkson, James Gandolfini, Kate Winslet, Mark Ruffalo y Anthony Hopkins. Excelente cast para una película que se queda corta en muchos sentidos. Parece que es el tópico de la semana.

2. "La ley del deseo", de Almodóvar. Quizás fue mucho más impactante y llamativa en su contexto. Hoy, resulta poco polémica y bastante floja. Aún así, un hito en su carrera.

3. "El Piano", de Jane Campion. No sé cuántas veces la he visto y el veredicto es el mismo: impactante. Sus imágenes tienen mucha fuerza, las actrices (Holly Hunter y Anna Paquin) van mucho más allá de la pantalla y la música -¡oh Michael Nyman!- es gloriosa.

4. "Diario de un escándalo", de Richard Eyre. Es un evento actoral de primer nivel: Judi Dench y Cate Blanchett frente a frente. Ya la había visto el año pasado, pero como trabajaré sobre ella para un próximo artículo, quise verla otra vez.

5. "El amor tiene dos caras" (The mirror has two faces) de y con Barbra Streisand. Una profesora modélica para una historia de amor agridulce. Será otro de los pilares de mi próximo artículo en la revista Versión Original (si se publica finalmente, claro).

Esta tarde veré otra en el cine, sin definir aún, y espero el fin de semana poder ver "Up", que ya va siendo tiempo. Llegado el momento, todo quedará reflejado en este blog.

"The boat that rocked" (2009)

2009-08-05T12:59:00.001+02:00

Richard Curtis, el guionista de las dos partes de "Bridget Jones" y director de "Love Actually", nos trae a la pantalla su última comedia coral: "The boat that rocked" (en España, "Radio encubierta"), que también ha escrito.

El film cojea desde los primeros minutos, pese a tener una idea de la que podrían haber salido inolvidables escenas: las radios piratas que emitían rock y pop desde el Mar del Norte, para saltarse las estrictas normas británicas de los años 60 del siglo pasado. Con demasiados personajes, muchos hilos conductores y un entramado más bien débil, el guión se le va de las manos entre escenas claramente editables y una resolución tan simplona como esperable.

Quizás lo más divertido de ver, como ocurre en muchas cintas corales, es el reparto: Kenneth Brannagh, Emma Thompson, Bill Nighy, Philip Seymour Hoffman, Nick Frost, Rhys Ifans, entre muchos otros que, en general, cumplen sin destacar.

La única herencia memorable que nos deja esta película es una banda sonora de primer nivel, tan variopinta como sus personajes, pasando desde The Supremes hasta Duffy (reversionando "Stay with me baby") y desde Cat Stevens a Jimi Hendrix.

"Harry Potter and the half-blood prince" (2009)

2009-07-19T14:23:00.001+02:00

Esta semana fui a ver la sexta película de la saga de Harry Potter y debo decir que, si bien me pareció mejor contada que la anterior, todavía no logra recuperar el vuelo de los primeros films, pero en la que reconocemos el brillo de Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall), Michael Gambon (Albus Dumbledore) y el nuevo miembro de la historia: Jim Broadbent como el profesor Horace Slughorn.

Completamente centrada en dos hilos argumentales: encontrar la forma de destruir a Voldemort -y prepararlo todo para las últimas dos entregas- y la revolución hormonal a la que están sometidos los cada vez menos jóvenes magos. El resto de la trama que vimos en el libro, ha sido nuevamente ignorada por los guionistas, además de quitarse de en medio a una buena cantidad de personajes que, con suerte, aparecen en planos secundarios o mencionados en esta cinta.

Me vale el argumento de siempre (incluso lo digo yo muchas veces) que la adaptación cinematográfica debe abandonar la literatura para suscribirse al nuevo lenguaje, pero eso no implica que pueda desgranarse así todo un compendio de intrigas, miedos, enfrentamientos, problemática interna de los personajes, el aprendizaje y muchas otras cosas que han desaparecido en su paso a la gran pantalla.

Pese a todo, creo que HP6 gana en narración, en ritmo y en luz (pese a ser un libro bastante oscuro también) en comparación a la quinta parte. Quizás porque recuperamos al guionista de las primeras cuatro partes de la saga -Steve Kloves- y dejamos de lado al que convirtió a "Harry Potter y la Orden del Fénix" en una auténtica carnicería argumental: Michael Goldenberg.

Sin embargo, y me repito en esto, espero que en las próximas dos películas, al contar con el doble de tiempo "cinematográfico" para reproducir un único libro, se desarrolle de mejor forma la trama, se cierren las historias de forma adecuada y nos lleven al gran final que se merece esta saga mágica. Eso sí, y hago desde aquí un llamado, por favor no nos torturen con ese aburrido epílogo final.

"Gran Torino" (2008)

2009-07-10T20:11:00.002+02:00

Hace pocas horas, yo hablaba de una película que por recomendación tenía que ver, pero de la cual no esperaba prácticamente nada. Me imaginaba que sería una cuidada producción, con un ritmo pausado y lineal, muy dramática y espesa. Me equivoqué por completo.

La película dirigida por Clint Eastwood, se ha convertido en uno de los éxitos cinematográficos del año en España. Algunos la llaman la superviviente, porque ha estado más de 4 meses en cartelera y sigue atrayendo público, cosa que otras cintas -supuestamente blockbusters- como Transformers o Watchmen no han logrado ni de lejos.

No sé si me arriesgo al llamarla pequeña joya. Quizás todavía me dejo tentar por la emoción y la belleza de muchas de sus imágenes. Pero me puedo permitir estos excesos. Por algo es mi blog.

La trama comienza con la muerte de la mujer de Walt Kowalski (el propio Eastwood en una mezcla perfecta entre Ronald Reagan, Charlton Heston y Harry El Sucio: misógino, xenófobo, homófobo, republicano, tradicional y amante de las armas). Podemos entender que ella era su vínculo con lo cotidiano, con lo distinto, con los cambios del mundo. Así, nuestro protagonista se encuentra, de un momento a otro, solo contra los nuevos vecinos, contra su propia familia y, quizás lo peor, contra sí mismo.

Interesante el duelo dialéctico entre Sue (Ahney Her) y Walt, así como la relación de este último con Thao (Bee Vang). A través de ellos conocemos la enorme humanidad de un hombre que apenas parece un ser humano, y la inmensa riqueza que la confianza, el respeto y el cariño puede llegar a otorgarnos.

El guión, construido de forma tal que sin prisas, nos va desvelando los cambios en la vida de Kowalski y su evolución hacia una nueva conciencia. Nada es tan malo como parece e incluso, quienes nos rodean pueden enseñarnos más lecciones en la vida de las que imaginamos. Y todo en un continuo crescendo, hasta llegar a un final esperado y sorprendente a la vez, pero filmado con delicadeza, con poesía, con una sabiduría que sólo la experiencia puede entregar.

Eastwood se ha plantado en una cómoda posición como narrador, extrayendo de su habilidad para contar historias los elementos precisos para no aburrir ni abrumar, para no cansar ni sorprender sin sentido. Quizás Gran Torino es uno de sus mejores ejercicios cinematográficos de los últimos años.

"LOL (Laughing out loud)" (2008)

2009-07-05T21:07:00.005+02:00

Definitivamente la comedia francesa tiene, sino siempre, en el 90% de los casos un humor que me gusta mucho, una mirada interesante, una acidez muy suya y algo que tiene mucho encanto.

Ya he disfrutado en los últimos meses con cintas tan dispares como "Bienvenidos al Norte", "El primer día del resto de tu vida", y aún tengo pendiente "Por fin viuda" y "Mi mejor amigo", todas ellas producidas al otro lado de los Pirineos. Y ayer me tocó hacerlo con "LOL", una comedia quizás menor, pero con mucho buen material.

El reparto se sostiene sin estridencias ni brillos particulares. No destaca Sophie Marceau como la madre-metome-en-todo-y-me-paso-mil-películas de una adolescente en plena etapa de descubrimientos. Tampoco lo hace Françoise Fabian como su madre. Y de los jóvenes, todos muy correctos, sin dar más.

Pero más allá de los créditos actorales, los puntos más altos de la película los daba el guión: la escena de la cámara Web y la visita a Inglaterra, donde dejan a los súbditos de la Reina Isabel como una manada de raros. No puedo dejar de mencionar a la fanática de Lady Di y a su hija, que me sacaron unas cuantas lágrimas de la risa.

El centro de la trama está en una juventud al día en las nuevas tecnologías, algo desencantada y apática, pero con sus propias motivaciones que les hacen entrar en conflicto con la anterior generación: sus padres. Pese a todo, más que profundizar en la naturaleza sociológica del fenómeno, la directora y guionista Liza Azuelos, muestra un efectivo panorama superficial que sirve como referente para entender o identificar muchas vivencias propias.

Con algunos puntos altos y otros más flojos, "LOL" se deja ver con cierta gratitud. No todo debe ser tan grave ni tan profundo. A veces, un poco de ligereza y superficialidad viene bien, más aún cuando las situaciones son tan cotidianas y reconocibles. Azuelos pasa del chiste fácil, pero se queda en la comedia simplona y en drama familiar menos oscuro. No obstante, creo que supera la experiencia con holgura.

El Cine Europeo de la semana

2009-06-27T11:37:00.002+02:00

Tenía una deuda conmigo mismo esta semana: hablar sobre las dos películas que, desde el domingo pasado, se sumaron a mi lista de estrenos de 2009. "Vacaciones de Ferragosto" (Pranzo di Ferragosto), de Gianni Di Gregorio; y "El primer día del resto de tu vida" (Le premier jour du reste de ta vie), de Rémi Bezançon, fueron las representantes de un cine europeo que, por lo visto, tiene mucho que decir.

La primera, tierna y dura historia italiana, transcurre en un piso de Roma, donde un hombre debe hacerce cargo de cuatro maravillosas mujeres, entre las que se cuenta su madre, durante el fin de semana del 15 de agosto (Ferragosto para los italianos). Con un guión estructuralmente simple, pero complejo en lo dramático y en su mensaje subyacente, "Vacaciones de Ferragosto" se convirtió de forma automática en una de las sorpresas más agradables de la temporada.

Conquista por su sencillez, su colorido, por ser un canto a la vida en medio de las miserias de la vejez y del abandono. Pone una chispa de felicidad en el corazón del espectador, a la vez que le da un duro golpe en las emociones y en la empatía que se crea hacia esas cuatro maravillosas actrices bien entradas en años. Todo un logro para el guionista de "Gomorra".

En cuanto a la segunda, el viaje nos lleva a la Francia de los últimos 25 ó 30 años, a través de los distintos personajes de una familia casi perfecta. Tan cómica como emotiva, "El primer día del resto de tu vida" nos enseña los errores de la comunicación dentro del núcleo familiar, nos habla de las relaciones de pareja, fraternales, paterno-filiales y de la forma en que enfrentamos la vida. Nos lleva a través de las debilidades más comunes: el rencor, la envidia, el enamoramiento, la falta de voluntad y la apatía.

Si bien su estructura es muy graciosa, también yace en ella un mensaje mucho más profundo, más denso, que es difícil digerir con facilidad. Además, tiene una de las escenas más potentes que he visto en el cine este año (la escena de la madre en el coche con el cojín hinchable).

Completamente recomendables estas dos películas de apariencia inocente, pero que permiten percibir la larga vida que el cine europeo tiene por delante, mientras siga contando estas pequeñas grandes historias.

"Millenium I: Los hombres que no amaban a las mujeres"

2009-06-05T18:29:00.001+02:00

La película, basada en la primera parte de la trilogía literaria de moda escrita por el sueco Stieg Larsson, no decepciona del todo. Si la desgranamos, obviamente sale perdiendo frente al libro, pero si la vemos en su globalidad, el resultado es bastante óptimo.

Como toda adaptación, muchas de sus historias pasan a un plano secundario o, como en este caso, desaparecen del todo. No obstante, le permiten mejorar el ritmo cinematográfico sin perder la esencia de la trama y potenciando el interés visual de las partes que realmente ayudarán a conformar un todo en el film.

El guión está bien construido para mantener el interés del espectador, pero con una primera hora algo más floja, donde quizás se ha dado relevancia a la presentación de los personajes con los que conviviremos en las otras dos partes de la saga. Así, en los próximos estrenos podremos ir directamente al grano y ver a los protagonistas en plena acción.

Sin duda que lo mejor de la cinta es Lisbeth Salander (interpretada por Noomi Rapace), que ha logrado dar esa mezcla de fragilidad, fortaleza, odio y oscuridad a uno de los personajes más políticamente incorrectos y atractivos de los últimos años. Creo que no podría haber otra mejor que ella. Además, que en sus estrechos hombros pesa gran parte de la trama, y aún más cuando veamos las partes segunda y tercera.

El resto de los personajes, muy bien elegidos, no tienen la carga dramática de Salander, pero ocupan el lugar que la historia les pide, sin estar de más. En ese sentido, la adaptación ha sabido jugar muy bien sus cartas para hacer interactuar sólo a quienes tienen un peso real en la trama central. Aún así, en el libro se dibujan mucho mejor los perfiles con detalles que en la cinta se han pasado por alto y que, creo, que hubiesen aportado un mayor referente sin extender el metraje.

Importante es tener en cuenta que la película es completamente sueca. No encontraremos los efectos ni los juegos a los que nos tiene acostumbrados el cine americano. Aquí se nota la factura nórdica y los guiños a su propio hacer. No obstante, el ritmo es un poco más ágil y consigue su objetivo: atraer tanto como lo ha hecho la trilogía Millenium.

"The visitor" (2007)

2009-04-17T19:04:00.002+02:00

¿Quién dijo que el cine americano estaba en crisis? Vale que la película tiene dos años y que tampoco la idea es lo más original, pero nunca había visto retratados el racismo, la amistad, el amor y la incertidumbre vital en un marco tan bien estructurado.

"The visitor", dirigida por Thomas McCarthy (el realizador de otra buena cinta independiente: "The Station Agent") tiene un planteamiento simple: un hombre que no encuentra sentido a su vida, se ve remecido cuando el destino lo cruza con una pareja de inmigrantes ilegales en una Nueva York bastante menos agobiante que a lo que nos tienen acostumbrados. De ahí en adelante, y gracias a la música, cada uno descubre en el otro aquellas cosas que los hacen más humanos.

Los personajes, donde brilla sin duda un sensacional Richard Jenkins -el candidato "desconocido" al Oscar al Mejor Actor-, están bien delineados, aunque sin profundizar en las carencias de cada uno. Vemos sólo lo que tenemos que ver y lo demás queda a nuestra imaginación, pero sin dejar nada incompleto.

Mención especial se merece el personaje de Mouna Khalil, interpretado por Hiam Abbass -una de las miradas más intensas y de las facciones más interesantes que he visto últimamente en el cine-. La actriz, más habitual del cine fuera de las fronteras americanas, logra mostrar la fortaleza y fragilidad de una madre sin caer en la caracterización facilista.

El guión, que contiene grandes momentos y frases arrolladoras, tiene también algunas debilidades, pero que no le hacen perder fuerza. Simplemente se perdonan esas faltas gracias a imágenes que se abren y se cierran, cumpliendo la misma misión en la historia global, convirtiendo la trama en un círculo completo.

Tal como decía, encontrar este tipo de películas -además con una crítica social profunda y con muchos matices- en el cine norteamericano, sorprende gratamente. Es bueno saber que pueden mirar más allá de su propio ombligo y que, por más que lo auguren, el llamado Séptimo Arte tiene todavía mucho que decir, incluso detrás (y también dentro) de una industria que parece agotada.

"Falling slowly"

2009-04-13T23:35:00.000+02:00

Tenía que agregar esta canción a mi colección de música. Pertenece a la banda sonora de "Once", una de las mejores de los últimos años.

"Vals con Bashir" (2008)

2009-04-07T20:09:00.000+02:00

Nunca una cinta de animación había sido tan dura, tan difícil de digerir. Ni la violencia de los comic ni la dura experiencia de "Bambi" o de "El Rey León" (guardando las distancias) se pueden comparar a la barbarie humana, a la realidad más descarnada de un dibujo.

"Vals con Bashir", la candidata israelí al Oscar a la Mejor Película Extranjera, es todo un ejercicio de mea culpa. La guerra vista desde dentro, no desde el conflicto en sí mismo -cosa que también hace- sino desde el interior del ser humano, desde sus sueños, del hombre como máquina de matar, del miedo, del dolor, de la desesperanza, de la violencia por la violencia.

Su estética es simple, pero el colorido y la música permiten al espectador adentrarse en el horror de un trozo de la historia reciente, acompañando al protagonista a un viaje introspectivo, a través del cual intenta reconstruir su propio papel en los acontecimientos, gracias a los testimonios de quienes estuvieron con él en el campo de batalla. Así, vamos conociendo, con la estructura de un documental y sin perder el poder de la animación, el desarrollo de la invasión a El Líbano a comienzos de los años ochenta, y de la masacre de Sabra y Chatila, en la cual murieron centenares de personas, entre las que se contaron muchos civiles.

Quizás uno de sus puntos fuertes -y también una de las razones de su crudeza- es el ambiente onírico que envuelve toda la historia, hasta que la desgranamos y desmenuzamos en una realidad concreta al final de la película. Es difícil no sentir que el corazón se detiene cuando nos damos cuenta de que, detrás de la animación hay un dolor de carne y hueso.

No quiero adentrarme más en la historia o en el desarrollo del film. Simplemente quiero decir que, después de verla, entiendo el motivo por el cual finalmente no se llevó la estatuilla a casa: es demasiado provocativa y dura para conquistar al amplio público, a la vez que despertaría una serie de tensiones entre la poderosa comunidad judía en Hollywood. No obstante, creo que es un interesante ejercicio cinematográfico evocar el pasado a través de la animación, y con la crudeza con la que es capaz de abordar un tema tan sensible.

Aun así, "Vals con Bashir" ha sido reconocida en diversos festivales y con muchos importantes premios alrededor del mundo como mejor película extranjera. Otro de los puntos fuertes de la cinta, que también ha sido reconocido, es la música. Resulta impresionante y adquiere un rol de relevancia en los momentos más brutales, con una excelente selección de canciones para las diversas secuencias.

Toda una experiencia sensorial que nos invita a ser testigos de nuestra naturaleza, de nuestro pasado y que, además, nos muestra que como seres humanos aprendemos poco de los errores cometidos. Quizás lo más lamentable es que su desgarradora historia no puede ser más actual, pese a que nos separan de ella más de dos décadas.

"Los abrazos rotos" (2009)

2009-04-03T23:31:00.000+02:00

Estas últimas semanas he leído muchas cosas sobre "Los abrazos rotos", la última de Almodóvar: que si no está nada bien, que si está lejos de la calidad de "Volver", que si está mal actuada, mal dirigida, mal montada y muchas otras valoraciones. Debo decir que estoy profundamente en contra, pero también a favor.

Primero, debo decir que tiene escenas muy logradas -la de los zapatos negros y rojos, la desilusión de Ernesto gracias a la lectora de labios, entre otras- y muchas que, realmente, no hacían falta, pero siempre filmadas con maestría. En ese punto, la labor del director es, como de costumbre, impecable.

En segundo lugar, la historia central de la película es magnífica, con un Lluis Homar que está muy correcto en su papel de ciego; una Blanca Portillo que es un lujo de actriz y una Penélope Cruz que se desenvuelve con soltura en un papel hecho a su medida. Esta vez, la intensidad no está en su desequilibrio -como ocurría en Vicky Cristina Barcelona- sino que en su sacrificio, en su dolor, en su pasión.

Muy bien está José Luis Gómez, como el amante despechado y vengativo; o Ángela Molina, en un brevísimo pero arrollador papel. Lo mismo que Lola Dueñas, muy bien puesta en su sitio de lectora de labios o Tamar Novas como el hijo de Judit. ¿Y los demás? En principio, me sobran por malos: Kira Miró, Dani Martín y Alejo Sauras, cuyos personajes no aportan nada a la película y más parecen estar por compromiso o conveniencia. Luego, Chus Lampreave y Rossy de Palma, siempre bien ambas, no llegan a sumar más de 3 minutos en pantalla. ¿Eran necesarias? Y Carmen Machi, muy graciosa, pero sin aportar nada a la historia.

Y es aquí donde radica la fuerza negativa del film: la innecesaria aparición de subtramas -por llamarlas de una forma eufemística- o pseudo-personajes que no despliegan tensión, no resuelven y sólo adornan un metraje que, al final, resulta innecesario. Entiendo el sello almodovariano y su creatividad vital, pero en una historia tan intensa, tan profundamente romántica y trágica, podría haber obviado el adorno y habernos sumido en el abismo del desamor.

Aún así, el resultado final no me deja la boca amarga como a tantos otros. No puedo equiparar "Los abrazos rotos" a la desastrosa "La mala educación", pero tampoco elevarla como una de las grandes. Siempre lucharé para que cada película sea vista en sí misma y no por sus antecesoras; por lo tanto, bajo esa premisa, puedo decir que esta cinta no está mal, pero que se fagocita a sí misma por gula, por lujuria y por vanidad. Almodóvar no tiene que demostrarle nada a nadie, y menos "pagar deudas" con breves cameos. Lo suyo debería ser contar buenas historias y dejar todo lo demás fuera. Los excesos nunca son buenos, Pedro.

8/10

2009-03-23T06:34:00.002+01:00

Pues ya está la lista de ganadores de la 81ª entrega de los Oscar. Y en mis apuestas, he acertado 8 de 10. No está nada mal.

La gran ganadora fue Slumdog Millionaire, para redención de la Academia, dejando en ridículo a Benjamin Button. Lamento las manos vacías de Frost/Nixon y Doubt, pero es lo que tienen los premios.

Sorpresa con el Oscar a Sean Penn como mejor actor, pasando por encima de Mickey Rourke -el gran favorito- y, probablemente, su única oportunidad en este apartado. Y, aunque los últimos días me estaba temiendo que sería difícil el premio de mejor película extranjera a la israelí Waltz with Bashir por todo lo que ha ocurrido este año, nunca pensé que se lo llevaría Japón. Lo bueno es que aún son capaces de dejarnos atónitos.

En las categorías actorales, bien por Kate Winslet, Heath Ledger y Penélope Cruz. Si es que estaban cantados hace tiempo. Luego Wall.E como mejor película animada no dejó espacio para ninguna más, así como Danny Boyle en el apartado de director. Y en los premios a los guiones, que también tenían nombre casi desde la presentación de las candidaturas, Slumdog Millionaire y Milk, para dejar en 8 mis aciertos.

Me quedo bastante satisfecho con los resultados. Aún me queda ver a Mickey Rourke y ver si realmente merecía el premio o le bastaba con su nominación. Siempre me quedaré con ganas de ver a Marisa Tomei con otro Oscar para acallar las voces de quienes dicen que el suyo se lo ganó por una equivocación de Jack Palance.

Cerrada esta etapa de los premios de la Academia, volveré al ritmo normal de cine y comentarios, a la espera del próximo evento.

"Blindness" (2008)

2009-03-21T11:16:00.001+01:00

La última película de Fernando Meirelles ("Ciudad de Dios"), basada en el "Ensayo sobre la ceguera" de José Saramago, ha sido toda una sorpresa. Primero, porque las críticas que se habían publicado eran muy tibias o directamente nefastas; segundo, porque parecía complicado traspasar al cine lo que más bien es un tratado filosófico. Menos mal que no fue ni lo uno ni lo otro.

"Blindness" es un ejercicio visual en primera línea. Juega con los extremos, pasando del blanco cegador al negro más profundo, dejando como protagonistas al sonido, a la empatía y a la intuición. Así, nos sumerge en un mundo asolado por un extraño virus que impide ver, despertando todos los otros sentidos e instintos a niveles insospechados. Pero, por sobre todos, el de supervivencia.

Vemos lo que ocurre en una nueva sociedad, en un micro-estado en el que no hay leyes ni límites, y donde se deben sentar las bases de una nueva convivencia. Pero no sólo nos habla de una ceguera física, sino también de una incapacidad espiritual y psicológica, cercana a la frase "no hay peor ciego que el que no quiere ver".

Lo que me parece más plausible de la cinta es que no cae en todos los facilismos en los que podría haber caído para representar la idea de que "el hombre es un lobo para el hombre". Seres humanos llevados al límite, luchas de poder, la ley del más fuerte. Podemos ponerlo como queramos, pero Meirelles deja de lado el gore y nos sugiere toda la brutalidad sin mostrar más allá de lo que es necesario. Además, tiene logradísimas escenas, que son pura poesía audiovisual. Sin destripar la trama, creo que la mejor es el ritual de limpieza que hacen las mujeres a una compañera de celda.

Julianne Moore demuestra, una vez más, su calidad interpretativa, llevando sobre sus hombros gran parte de la emotividad, fortaleza y debilidad de la película. Por el contrario, Gael García Bernal, se mantiene en sus limitadas posibilidades (¿es posible que siempre tenga la misma expresión facial?) Mención aparte tiene la música, muy bien utilizada y nada agotadora, como suele ocurrir en las cintas comerciales.

Poniendo los elementos en la balanza, creo que es una buena película, que no deja con mal sabor y que resulta muy interesante desde el punto de vista audiovisual. Mucho mejor que otros films que han pasado con más gloria por las taquillas y que tienen mucho menos que entregar.

Mis apuestas para el Oscar

2009-02-22T07:30:00.003+01:00

Esta noche se entregan los premios Oscar. Hace muchos años que tengo la costumbre de lanzar mis pronósticos, unas horas antes de la ceremonia, simplemente como forma de diversión. Éstos se basan en lo que he visto, en los premios entregados con anterioridad, en algunas ideas -seguro que prejuiciosas- sobre los gustos de la Academia y en la mera intuición. No hay nada técnico ni estadístico.

A continuación, entonces, van las apuestas. Hago una aclaración: en muchos casos quien creo que se llevará el premio no necesariamente es quien me gustaría que se lo llevase.

Actor Principal

* Richard Jenkins in "The Visitor"
* Frank Langella in "Frost/Nixon"
* Sean Penn in "Milk"
* Brad Pitt in "The Curious Case of Benjamin Button"
* Mickey Rourke in "The Wrestler"

Actor Secundario

* Josh Brolin in "Milk"
* Robert Downey Jr. in "Tropic Thunder"
* Philip Seymour Hoffman in "Doubt"
* Heath Ledger in "The Dark Knight"
* Michael Shannon in "Revolutionary Road"

Actriz Principal

* Anne Hathaway in "Rachel Getting Married"
* Angelina Jolie in "Changeling"
* Melissa Leo in "Frozen River"
* Meryl Streep in "Doubt"
* Kate Winslet in "The Reader"

Actriz Secundaria

* Amy Adams in "Doubt"
* Penélope Cruz in "Vicky Cristina Barcelona"
* Viola Davis in "Doubt"
* Taraji P. Henson in "The Curious Case of Benjamin Button"
* Marisa Tomei in "The Wrestler"

Mejor película animada

* "Bolt" Chris Williams and Byron Howard
* "Kung Fu Panda" John Stevenson and Mark Osborne
* "WALL-E" Andrew Stanton

Mejor Director

* "The Curious Case of Benjamin Button" David Fincher
* "Frost/Nixon" Ron Howard
* "Milk" Gus Van Sant
* "The Reader" Stephen Daldry
* "Slumdog Millionaire" Danny Boyle

Mejor Película Extranjera

* "The Baader Meinhof Complex" - Germany
* "The Class" - France
* "Departures" - Japan
* "Revanche" - Austria
* "Waltz with Bashir" - Israel

Mejor Película

* "The Curious Case of Benjamin Button"
* "Frost/Nixon"
* "Milk"
* "The Reader"
* "Slumdog Millionaire"

Mejor Guión Adaptado

* "The Curious Case of Benjamin Button" Screenplay by Eric Roth. Screen story by Eric Roth and Robin Swicord
* "Doubt" Written by John Patrick Shanley
* "Frost/Nixon" Screenplay by Peter Morgan
* "The Reader" Screenplay by David Hare
* "Slumdog Millionaire" Screenplay by Simon Beaufoy

Mejor Guión Original

* "Frozen River" Written by Courtney Hunt
* "Happy-Go-Lucky" Written by Mike Leigh
* "In Bruges" Written by Martin McDonagh
* "Milk" Written by Dustin Lance Black
* "WALL-E" Screenplay by Andrew Stanton, Jim Reardon. Original story by Andrew Stanton, Pete Docter

"Slumdog Millionaire" (2008)

2009-02-20T23:36:00.002+01:00

Aplausos espontáneos. Eso generó el pase de "Slumdog Millionaire" en el cine. Últimamente prefiero no ser tan tajante con los comentarios, pero creo que me merezco el beneficio de ser el dueño del blog: me ha parecido magnífica y espero para ella mucho más de lo que se le está dando.

La última cinta de Danny Boyle, el mismo de la genial "Shallow Grave" y "Trainspotting", es un ejercicio de cine como no he visto en ninguna de las otras candidatas. Va mucho más allá de la cursilería de "El curioso caso de Benjamin Button", del drama de "The reader", del folleto de "Milk" y del duelo histórico de "Frost/Nixon". Y no se queda corta: drama, romance, tensión, acción, denuncia, religión, historia, mucha imaginación y un guión que funciona como un perfecto engranaje.

De más está decir que el montaje y la estructura de la película, me han parecido un excelente trabajo cinematográfico, siendo capaz de pasar del videoclip a la contemplación en cuestión de segundos. La imaginería y el olor a Bollywood de muchas escenas, le otorgan un colorido capaz de contrastar de forma acertada con la oscuridad de las mafias, la pobreza extrema, el dolor y la traición. Se nota que Boyle ha conseguido un gran nivel como director y que sabe como llevar adelante -y de buena forma- un guión muy logrado.

Con un reparto que ha sabido ocupar su lugar de buena forma, sin destacar excesivamente en interpretaciones, pero acertados en general, la historia nos lleva a la versión india de "¿Quién quiere ser millonario?", donde conocemos a Jamal, un "perro de chabola" -a lo que alude slumdog en el título y que ha sido criticado por algunos sectores- que participa por el premio mayor de 20 millones de rupias. Desde el mismo plató televisivo, nos arrastran a la historia del protagonista y a un largo camino de felicidad, dolor, desamor y supervivencia.

No quiero desgranar más la trama y dejar muchas cosas para la sorpresa, tal como me encontraba yo hace unas pocas horas. Es una película para disfrutar con vista y oído, para emocionarse, para lograr unas sonrisas, rozar la ternura y entender el dolor ajeno. De momento, uno de los mejores estrenos del último año y, espero que sea la gran ganadora de la noche de los Oscar, dejando en el mayor ridículo a la gran favorita.

"Frost/Nixon" (2008)

2009-02-20T10:50:00.002+01:00

El que sea una película de Ron Howard, siempre despierta suspicacias entre mucha gente, por su tendencia al melodráma épico o al exceso de almíbar en sus realizaciones. No obstante, "Frost/Nixon" se convierte en un ejercicio bipolar, en un campo de batalla reducido a una pantalla de televisión, pero engrandecido en su paso a la gran pantalla.

La historia nos traslada a la década de los 70 del siglo pasado, cuando el entonces Presidente de los Estados Unidos, Richard Nixon, se ve obligado a renunciar a su cargo tras el escándalo Watergate, que ya hemos visto representado en varias y distintas películas. Ésta, en particular, aborda lo que vino a continuación de la crisis política: un Nixon encerrado en sí mismo, confiado en su poder y con sed de más; pero, al mismo tiempo, a un hombre debilitado, inseguro y temeroso del futuro.

Frente a Nixon, encontramos a una estrella, a un rostro televisivo que también busca fama, fortuna y poder. No se le considera un gran cerebro ni menos un profesional, pero arremete con una propuesta a la que es imposible negarse: una larga y profunda entrevista con el ex mandatario, repartidas en cuatro sesiones. David Frost no era, ni mucho menos, el rival más débil, aunque su apariencia así lo demostrase.

Así comienza un duelo de caballeros en apariencia, pero de bestias en el fondo. Cada uno quiere lograr su objetivo a cualquier precio: el uno, redimirse; y el otro, subir en su profesión. Ambos, a la vez, quieren recuperar la estrella que los ha abandonado en Estados Unidos. Si bien la inexperiencia de Frost -que pondrá nerviosos a los periodistas y entrevistadores- le permiten a Nixon dominar gran parte de la grabación de las sesiones de preguntas, será el espíritu de supervivencia el que le permitirá asestar un golpe maestro a Nixon y debilitar a una figura engrandecida.

El reparto, liderado por un Frank Langella magnífico en su papel de Nixon, y por Michael Sheen (el Tony Blair de "The Queen"), está acompañado por unos secundarios muy interesantes: Rebeca Hall ("Vicky Cristina Barcelona"), Tobey Jones ("Infamous", donde hizo de Truman Capote), Sam Rockwell ("Confesiones de una mente peligrosa"), Oliver Platt y Kevin Bacon.

La moraleja de esta película es que jamás se debe infravalorar al enemigo y creerse la propia superioridad. Es la historia de David y Goliat llevada a la televisión y con la política de fondo. Un ejercicio de cine muy correcto, preciso y contado de una forma dinámica que no da pie a largos planos ni a forzadas revisitaciones de una entrevista que pasó a la historia.

"El curioso caso de Benjamin Button" (2008)

2009-02-17T20:23:00.002+01:00

Ocurre que en numerosas ocasiones hay cosas que no me puedo explicar. Una de ellas es esta película y las 13 nominaciones al Oscar que la reconocen como una de las mejores, si tomamos a las doradas estatuillas como medida de algo más que las estrategias de publicidad y la presión de los grandes estudios.

No hace mucho, mantuve una suerte de intercambio de ideas con dos personas bastante más ligadas que yo al mundo del cine sobre la labor de David Fincher como director, antes de ver este film. La verdad, es que me siento traicionado. Parece que no he ido a ver una cinta dirigida por la misma persona de "Seven" o "El club de la lucha". ¿La razón? Pues porque carece de gancho, de atractivo y, en muchas escenas, de talento (aunque en otras, contadas con una mano, hay un trabajo de fotografía magnífico).

Tampoco entiendo el supuestamente magnífico trabajo de Brad Pitt como actor, ya que con maquillaje o sin él, no hay un ápice de diferencia en lo que está debajo de la labor de los especialistas de todo tipo. Pero ya sé que -y lo dije en una crítica anterior- a la Academia le encantan los actores que se disfrazan y se afean.

Aún menos, me explico qué pasa con Cate Blanchett, que aparece en la película aunque en muchas escenas parece no estar, no entregarse ni al personaje ni a la historia. Pese a ello, siempre es un lujo verla en pantalla, más aún cuando está acompañada por la volátil Julia Ormond, que a ver si de una vez elige bien los papeles y se deja de pasear su brillo por malas producciones.

Y, por sobre todas las cosas, jamás me explicaré el extenso metraje y el agotador "medio tiempo", en el que se dan demasiadas vueltas para rellenar la historia del hombre que va al revés de los demás en lo que al tiempo se refiere. Hasta puedo postular que como cortometraje hubiese sido magnífico, pero como largo... se queda corto.

Podría llegar a comprender la nominación de Taraji P. Henson, la madre adoptiva de Benjamin Button, pero tampoco es que me haya llenado por completo. Creo que con igual o con menos tiempo en pantalla, sus colegas de "Doubt", tienen mucho más que decir. Y no voy a mencionar a Penélope en este apartado, porque las comparaciones son odiosas.

No podría decir si ha sido un melodrama romántico, un romance con aventuras, un drama directamente o un ensayo excesivamente largo sobre una historia breve. Creo que, en ese sentido, es indescifrable y un gran misterio, además que dependerá de cada persona lo que pueda rescatar de esta película. Sólo puedo decir que ha sido una gran decepción, una fuerte caída de Fincher como director y más de un par de horas de aburrimiento.

"Doubt" (2008)

2009-02-15T23:47:00.004+01:00

Enfrentarse a una película como "Doubt" (La Duda) no es tarea fácil, porque su temática despierta de forma inmediata una incomodidad que prácticamente a nadie le gusta: la puesta en tela de juicio a la labor de un sacerdote y la suposición del abuso a menores de edad. Por ambos lados, ya resulta provocativa. Pero no se queda ahí, porque agrega a una madre que hace todo por proteger a su hijo, a una religiosa con poderosos principios y a un niño bastante especial.

Su origen es un texto teatral que se estrenó con importante éxito en el off-Broadway y eso se nota claramente en la cinta. La falta de lenguaje cinematográfico, salvo en contadas escenas, es una de las debilidades más poderosas del film, que no sabe aprovechar la magia del cine para llevar la historia a un lugar superior y sacar mayor partido de los elementos con los que cuenta, que no son pocos. Ejemplo de ello, son las interpretaciones de Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams y Viola Davis, que la salvan de un desastre mayor y le permiten calar mucho más hondo de lo esperado.

Escrita por John Patrick Shanley, y llevada por el mismo a la gran pantalla, "Doubt" pierde fuerza en su paso al cine, probablemente por la inexperiencia del director en estas lides (en su historial sólo encontramos "Joe contra el volcán"). Tal como mencionaba, el ejercicio de convertir en material de celuloide el texto, ha pasado a un segundo plano, seguramente con la finalidad de mantener los intensos diálogos y el enfrentamiento entre esas dos fuerzas de la naturaleza que son Streep y Seymour Hoffman. Precisamente es en esos momentos cuando podemos olvidar los deslices y errores del realizador, pero no tenemos tan mala memoria como para dejarlos de lado.

En cuanto a la trama, se pueden hacer muchas lecturas o interpretaciones, avalado por el juego de la duda al que alude el título. Es más, nunca podemos estar seguros de si la verdad la tiene uno u otro, porque una de las maravillas del guión original es dejar abiertas todas las posibilidades, con un final aplastante y muy humano: tras la victoria y la disminución de la adrenalina del éxito, se abre el abismo del cansancio y la propia debilidad. La trama, entonces, se puede entender como un choque de principios, una confrontación abierta del bien y el mal (sin saber quién juega en cada lado) o una lucha de poderes en un territorio determinado.

Sea como sea, la cinta no desluce como un todo. ¿Podría haber sido mejor? Seguro que sí, pero no podemos perder de vista que asistimos a un duelo interpretativo tan poderoso como las motivaciones de los personajes y que descubrimos como gran público a una Viola Davis -vista en "Lejos del cielo" y en varias series de televisión- en estado de gracia que, con apenas unos 5 minutos en pantalla, ha sido capaz de acaparar el aplauso de la crítica y demostrarnos que una madre es capaz de cualquier cosa cuando se trata de sus hijos.

"The reader" (2008)

2009-02-14T16:03:00.001+01:00

La última película de Stephen Daldry es un ejercicio incompleto. Es imposible negar su talento, que ya vimos con mayor intensidad en "Billy Elliot" o "Las horas", pero que en "The reader" se queda corto. Falta emoción natural y no forzada, sobra música, falla el maquillaje y al metraje le sobran unas cuantas escenas.

La historia nos lleva a la Alemania de la postguerra, en plena reconstrucción de Berlín, donde el quinceañero Michael Berg conoce y se enamora de una revisora de tickets en el tranvía (Kate Winslet). Comienza su romance -que ya provoca por el hecho de que él es menor de edad y ella prácticamente tiene el doble- y su relación se asienta en los misterios del sexo y en largas sesiones de lectura, en las que el joven pone su voz a innumerables novelas. Al poco tiempo, el romance se rompe no volverán a encontrarse cara a cara por largo tiempo, pese a que el destino reunió sus caminos al poco tiempo.

De esta forma, la trama se adentra en un proceso interno, no sólo de los personajes, sino de un país, permitiéndole jugar con la necesidad de alcanzar la verdad, con la información, la moral, el castigo y la libertad de elegir el propio destino. Pero aquí comienza una fuerza entrópica que hace que el film pierda fuerza: planos excesivamente largos y muchas veces inútiles, con excesos en la música -aunque no de forma tan particular como se había comentado en otros sitios- y un Ralph Fiennes que ha tenido mejores momentos.

Con tintes de dramón monumental -que lo es-, pero sin llegar a lograr la emoción que busca forzosamente, el desempeño de Daldry no ha estado a la altura de sus trabajos anteriores, pese a tener entre manos una joya literaria y un reparto que no está nada mal, pero al cual apenas saca partido. Imperdonables son los pocos momentos del intenso Bruno Ganz y la transformación de Lena Olin en un doble papel en los que no pude reconocerla.

Sin duda, lo mejor de la película es Kate Winslet. Eso sí, dudo de que en esta cinta esté mejor que en "Revolutionary Road". Ya sé que a la Academia le gusta premiar al maquillaje y a la deformación de sus propias estrellas, pero si nos fijamos en la esencia interpretativa, creo que Hanna Schmitz tiene menos intensidad que April Wheeler. Impresionante eso sí es que en el film de Sam Mendes, Winslet actúa con las manos; y en la de Daldry, lo hace con la enorme belleza de sus ojos.

No obstante, no puedo ser tajante con ella. Quizás me dejo llevar por mi debilidad hacia Kate Winslet y por la fe que, pese a "The Reader" le tengo a Daldry. Sin ser una gran película, tampoco es de las que te arrepientas de ver. Para eso hay muchos más bodrios en el circuito. Ahora, dejarse tentar por las voces que hablan de "una gran película", creo que es excesivo.

"Revolutionary Road" (2008)

2009-01-23T23:48:00.001+01:00

"Revolutionary Road", la última película de Sam Mendes y basada en una novela de Richard Yates, es toda una experiencia. Las razones son varias:

1. La actuación de Kate Winslet es impresionante. Se nota tanto la problemática interna de su personaje, de la misma forma en que es capaz de ocultarlas tras un velo de "todo está bien" y mi vida tiene una salida. Si no está nominada por esta película, no quiero ni pensar como estará en "The Reader", por la que sí corre en la categoría de Mejor Actriz.

2. Leonardo di Caprio siempre ha sido un actor de talento, pero que no siempre brilla como debe hacerlo. Ya lo vimos en "A quién ama Gilbert Grape", "This boy's life" y en alguna otra demostrando su valía y en esta ocasión también se asoma parte de ese don. No obstante, en muchas ocasiones es eclipsado por la estrella de Winslet.

3. Sam Mendes ya tiene experiencia en las películas que abordan la problemática de los suburbios. "American Beauty" -que a mí no me pareció nada espectacular- ya reflejó lo que ocurre dentro de las maravillosas casas de los buenos barrios. Y "Revolutionary Road" viaja hasta los años 50 para demostrar que en esa época el sueño americano más bien parecía una amarga pesadilla.

4. La sensación durante la película es de angustia, muy bien transmitida por la música y los personajes. En lo primero, el trabajo de Thomas Newman, siempre sonando a sí mismo, es impecable; en lo segundo, la construcción de quienes conforman el universo de los Wheeler (la pareja protagonista), es bastante acertada. Todos parecen vivir en una realidad irreal, en la cual no son felices, pero que se resignan a aceptar como su destino, con todas las consecuencias.

5. El final es arrollador, no sólo por lo que implica, sino porque la escena final debe ser una de las mejores que he visto en mucho tiempo, y que refleja la angustia y la resignación de las que hablaba en el punto 4. Todos tratamos de crear un mundo en el que poder vivir mejor, pero muchas veces ese mundo se viene abajo y debe construirse nuevamente. Algunos tienen éxito y otros no lo consiguen.

6. El ritmo de la película puede decepcionar, porque no es a lo que nos tienen acostumbrados. La cadencia, el agobio, el encierro, la dificultad para respirar, la falsa sonrisa y muchos otros elementos, se transmiten al espectador con mucha facilidad y empatía. Aún así, es una cinta muy correcta en cuanto a los estándares habituales de un drama de esta talla, sin aventurar en el lenguaje ni en el estilo.

7. Merecida la nominación de Michael Shannon como Mejor Actor Secundario. Es impresionante como, quizás, es el personaje más cuerdo, más acertado y que funciona como voz de la conciencia en un mundo de decorados al borde del colapso. Antes lo habíamos visto en películas como "Pearl Harbor", "Antes que el diablo sepa que has muerto" (uno de los mejores títulos del 2008) y "World Trade Center".

"Bienvenidos al norte" (2008)

2009-01-18T20:19:00.000+01:00

La comedia francesa siempre ha tenido mucho que decir en comparación a las de otros países, porque en general muestran con desenfado y con un estilo muy particular, hechos cotidianos en los que podemos vernos representados de una u otra forma. "Bienvenidos al norte" ("Bienvenue chez les Ch'tis"), es una buena muestra de ello.

La cinta tiene una mirada fresca y tierna sobre los prejuicios, la amistad y el amor. En ellos, basa una historia muy cercana y que conquista desde el primer momento. Un hombre que vive en el sur de Francia, con su mujer y su hijo, es destinado a una pequeña localidad del norte del país, donde tendrá que pasar al menos dos años.

Es aquí donde uno se da cuenta de que las ideas preconcebidas forman parte de nuestra vida diaria, dando por sentado que cosas que no hemos visto, son de tal o cual manera. Con una idea negativa en la cabeza, el nuevo encargado de Correos llega al pueblo de Bergues a cumplir su "condena", encontrándose con encantadores compañeros de trabajo, un cómodo lugar en el que vivir y otras cosas, aprendiendo que los prejuicios no son más que leyendas urbanas.

No voy a contar nada más, porque el resto hay que disfrutarlo. "Bienvenidos al norte" se ha convertido en su país en un fenómeno de taquilla y ha despertado el interés turístico de la zona que representa con tanta gracia y cercanía el actor-director-guionista, Dany Boon. Las razones se explican en que ha contado una historia muy simple, pero de la mejor forma: con una comedia entrañable, llena de buenísimos momentos cómicos sin reducirlos a los gags de flatulencias o pestilencias, y apoyándose en un efectivo grupo de actores.

Sólo me queda por decir que hace tiempo que no me reía tanto con una película y disfrutaba con la sencillez de un buen momento de cine. Para los entendidos -o los que quisieran serlo- seguro que no les parece una obra de arte. A mí tampoco, porque no lo necesita. De la misma forma que no necesita ser más profunda ni ahondar en las relaciones jefe/empleado, madre/hijo o de pareja. Solamente requiere mantenerse fiel a su espíritu: el ser una comedia cotidiana, graciosa, liviana y entrañable.

Importante: quedarse hasta el final de los créditos, aunque es algo a lo que todos deberíamos acostumbrarnos a hacer siempre.

"Milk" (2008)

2009-01-17T20:09:00.001+01:00

La última película de Gus Van Sant, vuelve a tocar el tema de la homosexualidad desde el frente, desde las armas, centrándose en la vida de Harvey Milk, el primer supervisor abiertamente gay en California, que fue elegido por votación popular casi a finales de los años setenta, para ser asesinado poco más tarde por otro miembro del San Francisco Board of Supervisors, quien también mató al propio alcalde de la ciudad.

Con una trama conocida y un final anticipado por el propio personaje, lo que queda es hacer un viaje desde el nacimiento de un líder político, de un hombre que se ganó su lugar en la historia política de Estados Unidos por su carisma y su entrega a las causas por las cuales luchaba. Y Van Sant sabe como hacerlo.

"Milk" recurre con éxito y maestría a la mezcla de imágenes de archivo con las del rodaje, dando una idea general del ambiente en Estados Unidos, de los primeros y tímidos pasos del movimiento homosexual por hacerse un lugar en la sociedad civil, y del duro enfrentamiento con los poderes establecidos. Este toque de "realismo" favorece al desarrollo de la historia, teniendo como hilo conductor el testamento grabado que dejó el activista, antes de morir.

Junto con la carrera política de Milk, que conoció varias veces la derrota antes de conquistar a los habitantes de San Francisco, se desarrolla también la historia de un país, de una época, de un movimiento social, de una liberación, de la necesidad de reconocimiento y respeto a los demás. Si bien en este caso la motivación es clara, también se puede extrapolar la iniciativa de éste activista a todas las luchas de minorías que aún no consiguen alcanzar el lugar que merecen en la sociedad.

Sean Penn, es el protagonista de esta historia y, casi como siempre, su interpretación es fabulosa. Sin caer en la caricatura, es capaz de dotar al personaje de movimientos y expresiones que no le son propias, pero que sí pueden ser fácilmente identificables para el gran público. Del resto del reparto, suenan los nombres del cada vez más efectivo Josh Brolin, en el rol del asesino; Victor Garber (alcalde); James Franco y Diego Luna, como las dos parejas significativas en la vida de Milk; y Emile Hirsch (Speed Racer), casi irreconocible tras unas gafas muy de la época.

El resultado no es todo lo lacrimógeno que podría esperarse, pero eso no quiere decir que la película no tenga humanidad. Simplemente, Van Sant ha sabido emocionar y contar una historia, dejando de lado el activismo y la alegoría sin fondo. No pretende ahondar en la intimidad del personaje, explotando su tendencia sexual, sino que se centra en la vida pública, en la política y en la caída de una personalidad dispuesta a conseguir un mundo mejor no sólo para sí mismo, sino que para todos. Y es ahí donde se encuentra su principal fortaleza.

"Te doy mis ojos" (2003)

2009-01-10T00:34:00.003+01:00

Esta noche he visto la película de Icíar Bollaín, "Te doy mis ojos", que le valió varios reconocimientos cinematográficos y reafirmar su calidad como directora. La trama se hunde en la vida de una mujer maltratada, no tanto de forma física como de psicológica. La directora la asume con prudencia, quizás empatizando con la historia desde el punto de vista femenino, sin caer en el melodrama de excesos y golpes, sino con una violencia latente, el miedo como protagonista y un viaje sin retorno al amor enfermizo.

Pilar, el personaje sobre el cual se asienta la historia, está magistralmente interpretado por Laia Marull (próximamente en una película filmada en USA, Gallowwalker) es una mujer rota. Tal como ella dice, sus heridas no son externas sino que las lleva por dentro. Vive presa del miedo y del amor, en un juego de más sombras que luces, que la lleva al límite de su cuerpo, sus creencias, su valor personal y su vida.

Su contraparte -el siempre efectivo Luis Tosar- es Antonio, un hombre con muchas carencias y prisionero de sí mismo, que terminará por llevar a su celda a todos los que lo rodean. Su inseguridad, sus miedos, su virilidad amenazada por sus propias fantasías, lo arrastran en un caudal de sentimientos negativos y actos deplorables. Sin justificarlo, creo que no podría haber sido de otra forma. En su vida no había otra posibilidad, otra realidad. Sólo amaba de una forma equivocada, enferma y quizás a quien no debía.

Lo bueno de la película es su distancia para no caer en el facilismo de un tema muy actual, que siempre despierta sentimientos en el espectador. Por el contrario, lo aborda como un testigo mudo de una realidad vigente, dolorosa y trágica, y aunque existe esa empatía hacia la víctima, no deja de mostrar el lado "humano" del victimario, sus intentos por ser mejor, por cambiar, por tratar de ofrecer algo que no es capaz de entregar. Al menos, se agradece que no se haya caricaturizado al abusador como un ogro sin sentimientos.

Como toda obra, tiene sus debilidades, pero se minimizan en una historia potente, bien actuada - con un reparto que completan Candela Peña y Rosa María Sardá-, y dirigida con oficio y talento por Bollaín.

"The Tune" (1992)

2009-01-07T18:54:00.000+01:00

Hace muchos años, creo que fue en "El show de Tracey Ullman" -aunque no estoy seguro de si fue ahí porque ese fue el origen de "Los Simpsons"- o quizás en algunas cortinas de MTV, conocí los dibujos de Bill Plympton, un artista americano del comic con un estilo muy particular, irónico y bastante libre.

Ayer, me puse a ver "The tune", una de sus películas y me pareció genial. Un compositor desesperado por la falta de imaginación, hace un corto pero intenso viaje a través de lugares y personajes que le ayudan a encontrar aquellas letras y notas musicales que lo han abandonado. Plympton, con una mano muy suelta para el dibujo y con bastante humor, nos lleva a través de este viaje junto a canciones muy interesantes y graciosas, cada una con su particular estilo, sin caer en la repetición innecesaria.

Dura algo menos de 70 minutos, pero me parece un metraje perfecto para un producto de este tipo (y que quede registrado que no uso producto con sentido peyorativo). El director-dibujante sabe como llenar cada segundo y no nos deja de asombrar con una mente privilegiada para una imaginería artística de primer nivel y muy creativa.

Es uno de aquellos pequeños lujos que se pueden tener hoy en día gracias al amplio mercado del DVD que, debo reconocer, cada día me sorprende más por su amplia y arriesgada oferta. Que siga así.

"Night on Earth" (1991)

2009-01-06T13:20:00.001+01:00

Como es una época de ver películas, he aprovechado para ponerme al día con una de las que tenía pendientes de ver hace tiempo y, pese a no ser de mis directores favoritos, la experiencia no ha sido nada negativa.

Por un lado, tengo debilidad por los repartos corales y la suma de nombres talentosos siempre me llama la atención: Gena Rowlands, Winona Ryder, Armin Mueller-Stahl, Roberto Benigni, Rosie Perez y Beatrice Dalle, son las cabezas de un cast de ensueño, acompañados de secundarios poco conocidos para el gran público.

"Noche en la tierra" nos recrea cinco historias de taxi en diferentes ciudades: Los Angeles, Nueva York, Paris, Roma y Helsinki, en las que su director, Jim Jarmusch, se adentra sin muchas profundizaciones en los mundos y realidades de cada uno de los personajes, algunos satisfechos con la vida, otros que buscan su destino, mientras unos disfrutan de una condición que otros padecen. Así, cada una de las historias es independiente y precisa, sin muchos recovecos, pero permiten al espectador conocer unas vivencias que no le son propias, pero que puede percibirlas como reales.

Lo que me pasa con Jarmusch es que creo que se le sobrevalora, pero no puedo decir que no tenga oficio. Sabe llevar la historia y apunta siempre hacia el éxito, pero con un tinte de independiente y rebelde que se ha convertido en su alternativo estilo de cine. Sus otras cintas lo demuestran: Coffee and cigarettes, Flores Rotas o Dead Man, que han tenido repercusión en los círculos cinematográficos, pero que no han sido acompañadas por grandes taquillas.

Ya sabemos que el público prefiere el circo a la calidad, en la gran mayoría de las veces, pero aquí llegamos a la eterna discusión: ¿hago arte para mí y una élite, o para el público en general?

"Once" (2006)

2009-01-04T22:44:00.001+01:00

Escribir sobre "Once" cuando la he terminado de ver hace unos pocos minutos me parece difícil. No porque me cueste escribir sobre ella, sino porque deja una sensación tan agradable el verla y unas ganas de procesar toda esa música otra vez, que hasta parece una falta de respeto el aventurarse en algo así.

La cinta se caracteriza por una historia muy sencilla, simple, cotidiana sin ir muy lejos: chico+chica que se "deslumbran" al ritmo de la música que componen y tocan, y que, por las vueltas de la vida, les ocurren cosas que los hacen seguir el camino que deciden tomar (no voy a contar nada específico de la película por si alguien no la ha visto). Hasta aquí, puede parecer cualquier trama ya sabida, pero la gracia es que está contada sin ñoñerías ni con la facilidad de muchos films: simplemente las cosas ocurren en su debido tiempo y de la forma en que deben ocurrir.

Es allí donde radica su principal encanto, su fortaleza: en una historia de ¿amor? sin dobleces ni mentiras, donde lo que vemos es lo que hay. Casi la vivimos en carne propia y entendemos lo que ocurre, las reacciones y los momentos. Todo esto acompañado de una música muy lograda, correcta y precisa para cada instante, que llega a su punto más alto -desde un punto de vista muy personal- la primera vez que cantan juntos, pero que casi nunca agota (excepto en un track que se repite varias veces en la segunda mitad y que puede llegar a cansar).

Uno de los descubrimientos de la película es el talento de los actores: Glen Hansard y Markéta Irglová, que no sólo interpretan a los personajes y las canciones, sino que además firman la letra y la música de toda la banda sonora. Sus carreras han sido bastante mínimas y, de momento, no tienen nuevos proyectos actorales en carpeta.

Nominada al Oscar y al Grammy por su música -sólo ganó el primero por Mejor Canción por "Falling slowly"- y triunfadora en muchos festivales, aclamada por la crítica y el público, "Once" se convirtió en un fenómeno hace un par de años, incluso siendo considerada una película indie y "pequeña", más aún porque su director John Carney se ha caracterizado por films de bajísimo presupuesto, prácticamente artesanales. Después de ella, Carney se encuentra finalizando un proyecto que nunca llegó a ver la luz y en la pre-producción de uno nuevo.

La película tiene mucho más encanto que talento cinematográfico, pero nos enseña una importante lección: las buenas historias conquistan a crítica y público cuando son honestas y no intentan engañar a nadie. Éste debería ser un tópico más común en un cine sobrecargado de espectacularidad vacua y demasiadas expectativas. Quizás el verdadero camino esté en el corazón y el alma, en buenas ideas y en un trabajo más personal.

"RocknRolla" (2008)

2009-01-04T18:28:00.003+01:00

La última película de Guy Ritchie, el ex de Madonna, es toda una experiencia. No sólo por el incansable juego de imágenes en distintas velocidades que inundan la pantalla, ni por el reparto coral de calidad que sostiene el film, ni por ser el regreso -después de varios tropiezos- de un director que tiene muchas cosas que decir aún. No, RocknRolla va mucho más allá.

De momento, es una de las cintas más adrenalínicas que he visto el último año, con un constante juego de verdad/mentira, malos/muy malos, culpables/más culpables, que la llenan de momentos de tensión y otros muy cómicos. Y aquí es donde le doy, quizás, la mayor valoración: en que no se toma en serio a sí misma como película de acción, algo que siempre se agradece entre tantas pretensiones -casi nunca bien logradas- o vueltas de tuerca imposibles.

Ritchie, que además ha escrito la historia, tiene ese toque tarantiniano de saber cómo quitarle hierro a las escenas cuando parecen demasiado serias y lograr una risa cómplice del público que está disfrutando ante algo muy poco acartonado y que no quiere ser perfecto. Recurre a la humanidad de los personajes, a sus propias carencias y debilidades, y a esos momentos de la vida en que no todo debe llegar al lugar que habíamos planeado. No hay un plan perfecto ni todos ganan en la vida; los malos son a veces menos malos de lo que aparentan y, los muy malos, tienen un lado que los hace ser peores.

Y, por sobre todo, sabe reirse de sí mismo y compone una película como ésta, que logra mantener el interés, que es capaz de sorprender y que no pierde su norte en ningún momento: no es cine arte ni una obra del neorrealismo italiano. No, simplemente es lo que quiere ver el gran público: entretenimiento, acción, risas y una historia que tenga de donde asirse para no caer en el ridículo, en la autocomplacencia o en la autosatisfacción en la búsqueda de grandes cosas.

Muy bien elegida la música, que acompaña en todo momento el ambiente y la acción. Y menciono nuevamente a los actores: Thandie Newton, el veterano Tom Wilkinson y Gerard Butler, entre los más conocidos. Cada uno está donde debe estar y eso es un gran trabajo del director-guionista.

"Australia" (2008)

2008-12-30T23:59:00.002+01:00

Hoy he visto "Australia", la última película de Baz Luhrmann (el de "Romeo+Julieta" o "MoulinRouge"), con Nicole Kidman y Hugh Jackman como protagonistas. Las sensaciones son varias, contrapuestas, indefinidas.

1. La película se deja ver. Su metraje de casi 2 horas y 40 minutos prácticamente no se notan, porque el guión sabe muy bien entretener y enganchar con cada paso: romance, acción, suspenso, magia, malos malos y buenos muy buenos. En este punto, el director se apunta un tanto importante: al menos no resulta aburrida ni tediosa.

2. A cada momento, Luhrmann parece pedir un Oscar (o varios). Unos cuantos votos menos de confianza. Si no es la grandiosidad de la historia de amor, son las evocaciones a los grandes clásicos del cine -más o menos evidentes- como Lo que el viento se llevó o El mago de Oz, y a otras más recientes como Pearl Harbour (o Harbor, dependiendo del país... algo insólito de lo cual me acabo de enterar), de la cual hereda escenas muy parecidas. También la grandilocuencia de la banda sonora, en un continuo crecimiento hacia un final orquestado con precisión para obtener la lágrima (juego que gusta bastante a los miembros de la Academia), o simplemente la espectacular fotografía y los paisajes de un continente del cual se ha sacado poco partido, pero que el director explota hasta la saciedad.

3. Nicole Kidman. No puedo hablar mal de ella porque me parece una muy buena actriz, en gran parte de su historia. Pero es que esa cara que le han hecho, no es normal ni adecuada para una trama épica en un clima hostil. Ella no pierde el brillo de unos pómulos resaltados y sonrosados casi en ningún momento. Hay momentos de la película en los cuales se ve muy normal, pero hay otros en los que ella va por un lado y el botox, unos cuantos segundos más tarde. Y da una sensación muy extraña. Su contraparte, Hugh Jackman, cumple en el papel de galán aguerrido, atribulado por su pasado y con evolución hacia una nueva vida. Claro que también se despeina poco en medio del desierto australiano y tiene una forma muy extraña de ducharse, como si estuviese haciendo una demostración de musculatura ante un jurado exigente.

4. Descubrimiento importante: el narrador de la película, el actor más joven de la producción. Una joya que resulta más creíble que todo el decorado a su alrededor. Este es un punto que le debo al director de casting y espero que también a Luhrmann.

En resumen: he visto un film que es carne de Oscar a gran escala. La verdad es que no me sorprendería que arrasase con las nominaciones, aún cuando viendo los resultados de taquilla en Estados Unidos, no sé que ocurrirá. De todas formas, dudo que triunfe en las categorías actorales. Como mucho, alguna de efectos de sonido o visuales. Y nada en las de director o mejor película. No sería lo más adecuado.

Aún así, se deja ver y es una cinta hecha para el goce de los sentidos: el sonido está bien, las imágenes impresionan y las historias de amor gustan a todos. Tiene emoción, angustia, romance y ternura, todos ingredientes perfectos para gustar. Y no se hace tediosa ni excesivamente larga. Eso sí, quien tenga altas expectativas, que no espere salir con una gran sonrisa. Es mejor pensar en un grato momento de distracción cinematográfica y no mucho más.

Vicky Cristina Barcelona (2008)

2008-09-21T10:07:00.000+02:00

Desde aquí hago un llamamiento, antes de hablar de esta película: por favor, que alguien me pague por ir al cine todos los días (y todo el día), acompañado de mi recién estrenada libreta de notas y mi portátil. A quien se atreva, le aseguro que me hará feliz y tendrá todos los comentarios de película que mis dedos sean capaces de escribir.

Ayer fue el turno de la última cinta de Woody Allen, considerada menor por muchos, folleto turístico por otros, pero que tiene el encanto de todo lo que hace el genial director. Debo reconocer que no me sentaba a ver nada suyo desde Scoop, ya que Cassandra's dream no me llamaba la atención (aunque la tenga como tarea pendiente para alguna tarde de DVD), por lo cual no puedo hacer una proyección completa de sus últimas producciones.

Pero no perdamos el norte. Me reí y disfruté mucho con esta película de mal título, aunque entiendo el motivo que lo llevó a llamarla así: un triángulo amoroso entre las protagonistas y Barcelona, no entre ellas y ella, sino cada una en sí misma en un escenario común.

La película se deja ver con facilidad y la historia se va enlanzando entre los dedos de Allen con maestría y simpleza, dejando ver su calidad artesanal en todo el film. La sencillez del guión y la facilidad con la que ocurren las cosas, no es cosa de pequeños artistas, sino de grandes creadores. Esa manifiesta necesidad de los críticos de esperar titánicas ideas y novedades al por mayor en cada proyecto (cosa que prácticamente nunca ocurre en sus propios comentarios) se ve devastada por una historia que, simplemente, quiere ser contada a través de sus personajes y vivencias.

Desde la secuencia inicial del narrador que nos pone en materia (primer detalle de falta de pretenciones), y que evita que el espectador tenga que descubrir el pasado, presente y motivaciones de las dos turistas americanas, Woody Allen nos da a entender que su película es apta para todo público: grandes y pequeños pensadores que, sin mayor esfuerzo, serán testigos de su creación. Y de ahí hasta el final, hará gala de su ironía única y de su mente oscura para llevarnos por el camino que quiere que hagamos.

La trama gira en torno al amor, las pasiones, el desamor y la búsqueda de estos sentimientos. ¿Una comedia romántica? Sí, pero más que eso. ¿Una comedia sexual? Sí y no. ¿Un drama pasional? Algo de ello hay, pero tampoco. ¿Y qué es entonces Vicky Cristina Barcelona? Pues una película de Woody Allen, con todo un universo femenino muy desarrollado, con un momento almodovariano y con grandes actores en diversos registros de calidad.

Fantástica Patricia Clarkson donde la pongan; contenida Rebeca Hall en su rol de Vicky, la eterna americana insatisfecha de su vida, pero que no hará nada por cambiarla. Una Scarlett Johansson menos rutilante, pero con una presencia magnética que da mucho juego para los líos amorosos de los protagonistas.

No obstante, en esta última película de Allen, destacan los dos protagonistas españoles: Javier Bardem derrochando el tópico de sensualidad de un latin lover que, desde el primer momento, deja ver sus intenciones y una Penélope Cruz que brilla más que nadie por su breve pero intenso papel de la desequilibrada María Elena, la ex esposa del pintor interpretado por Bardem.

Y es el duelo amoroso-lingüístico entre los españoles, lo que hará recordar de mejor forma esta película. La "leyenda" dice que Allen no entendía una palabra de lo que hablaban, pero que sabía lo que ocurría sólo con ver a Cruz mientras actuaba. Mito o realidad, la verdad es que la chica Almodóvar, tal como dice un crítico americano, justifica su calidad de estrella de cine con esta cinta. Ya hay incluso comentarios de que el Oscar a la Mejor Actriz Secundaria de este año, tiene su nombre en la base.

Sin ser una obra maestra, "Vicky Cristina Barcelona" entretiene, se deja ver y, si nos dejamos llevar, nos conquista con su sencillez y somos capaces de obviar esas debilidades suyas, tan propias, pero que no restan su encanto particular. ¿Acaso no es la inconsistencia y la contradicción uno de los grandes atractivos de la vida? Para mí, un Woody Allen que todavía tiene mucho que contar.

Desequilibrio

2008-08-11T11:00:00.002+02:00

Esta primera semana de vacaciones fui a 3 estrenos cinematográficos, 3 de los grandes blockbusters de la temporada y con resultados bastante dispares.

1. La Momia III, que tal como dijo un crítico hace poco, es absolutamente innecesaria. De ella se salvan solamente algunos efectos especiales magníficos; pero la historia, el humor, la gracia y el atractivo de una saga heredera de Indiana Jones en muchos aspectos (digo heredera por no decir parásita) , se han visto reducidos al mínimo y sobrepasados por lo facilón, lo obvio y lo redundante.

2. Wall·E, quizás una de las mejores películas que he visto en mucho tiempo. Una fábula digital más adulta que cualquier otra, pero con una candidez superior y una simpleza exuberante. Con una gráfica que cada vez se vuelve más impresionante y una historia de amor tan pura como las de Nora Ephron o, remontándonos en la trayectoria del cine, a una entre Doris Day y el galán de turno. Pero no todo es inocencia, ya que tiene una mordaz crítica a la sociedad, al "embobamiento tecnológico" y a los efectos de la contaminación en el planeta.

Ya hay quienes la ponen entre las favoritas por la carrera al Oscar a la Mejor Película. Méritos tiene, pero la Academia ha sido en su pasado poco dada a reconocer al cine de animación con los altos galardones.

3. Mamma Mía, el placer culpable. Imposible dejar de tararear o recordar las canciones de Abba, con una imparable Meryl Streep y un elenco de primera línea y, en algunos casos, con un escaso talento vocal. No obstante, eso fundamenta una historia llena de música y color que parece más real que ficticia, porque está llena de estudiadas imperfecciones. Muy entretenida, ágil y efectiva, será uno de los éxitos de la temporada.

Yo, desde mi humilde posición, ya apuesto por un Globo de Oro para Meryl Streep como mejor actriz de comedia o musical, pero no la veo levantando al "Tío Oscar". Creo que hay suficiente material dramático como para quitarle sus pretensiones. Aún así, como siempre, ella desborda la pantalla y supera expectativas.

Pendientes tengo de ver dos estrenos franceses, a Kristin Scott Thomas, y la última película de la presidenta de la Academia de Cine Española, basada en una novela de Elvira Lindo. Se me acumulan las citas cinematográficas.

"El Incidente" (2008)

2008-06-29T12:32:00.000+02:00

La última película del creador de "El sexto sentido" es perturbadora de principio a fin.

Perturba su atmósfera de tensión, congoja, desesperación y desesperanza. Nos perturban sus tiempos, pausas o ausencia de ellas; sus imágenes desgarradoras y el acecho de un enemigo común, desconocido e implacable.

Perturba su humor gracioso y disonante. Su guión bien trabajado en principio y decadente hacia el final. Sus personajes, entrañables y turbadores, insoportables y perfectos. Su continua percepción de que hay algo ahí que no somos capaces de ver, pero que nos ahoga. Lo humano de sus protagonistas y lo absurdo de muchos de ellos.

Perturba un final predecible, edulcorado, poco impactante y mucho menos interesante. Su mensaje ecológico, de la efímera naturaleza humana y de las fuerzas de la tierra. De lo facilón que resulta como folleto del acuerdo de Kioto y del movimiento "verde".

Perturba su egocentrismo americano y el aroma a 11-S que se desprende en las reacciones de la gente. La costa este de EE.UU. vuelve a estar en el centro de las miradas y en absoluto peligro. Nada como meter el dedo en la herida una y otra vez para lograr la identificación y despertar los oscuros sentimientos colectivos.

Perturba por sobre todas las cosas, el enemigo común, tan irremediablemente invencible. La ley natural y el orden de las cosas se deben mantener pues, de lo contrario, el fin será inevitable. Moralina americana al por mayor, pero con la satisfacción de lograr gran parte de su cometido: someter al espectador a una tensión permanente y a una tortura hacia el final.

Entenderlo de una vez: el cine y el romance no siempre deben ir de la mano. Hubiera sido mucho mejor dejar a la raza humana sin esperanza en una situación límite muy actual. Al menos, habría resultado más desgarrador. Sin embargo, como experiencia inquietante y atmósfera tensa, resulta totalmente efectiva.